Le Balcon : un espace lounge prêt à s’envoler signé Mathieu Lehanneur

Pour certains, le début des vacances commence à l’atterrissage, pour d’autres il débute dès l’arrivée à l’aéroport au Balcon, le nouvel espace exclusif du salon business d’Air France à l’aéroport Paris-Charles de Gaulle du Terminal 2E. Imaginé par le designer Mathieu Lehanneur, Le Balcon est un endroit de détente à l’écart de l’agitation de l’aéroport. Un répit architectural aux lignes élégantes et sophistiquées tout en légèreté.

« Les balcons représentent l’essence de l’art de vivre à la française, de l’époque des rois à aujourd’hui, de l’opéra à Roland-Garros. », explique Mathieu Lehanneur

La structure incurvée dispose d’un plafond en miroir d’or reflétant le mouvement des voyageurs de passage tandis que les projections de verre offrent un aperçu des avions sur la piste.

« Dès le début, le projet est né autour de l’idée d’alcôves, de créer des loges », explique Mathieu Lehanneur, désireux d’offrir aux voyageurs « des espaces de semi-intimité où des liens se tissent ».

Un bar central est entouré d’une série de banquettes circulaires se déroulant comme un ruban de velours sous un plafond de miroirs dorés. Cernées de bois clair, elles encadrent un espace ovoïde et chargé de références à l’architecture parisienne comme à la carrière du designer. Sur le parquet, un grand écran LED dépeint une image du ciel qui change constamment tout au long de la journée, imitant le ciel extérieur en temps réel. Le Balcon a été conçu de manière à ce que les usagers commencent leur voyage sur une note détendue. Une ambiance apaisante rendue possible grâce à des associations de matériaux tout en harmonie avec notamment le mélange du bois, du marbre, du verre et de la lumière,.

Selon le concepteur du lieu, « Voler consiste à rester immobile dans un monde en mouvement. C’est sentir les villes et les nuages ​​glisser sous ses pieds. Je voulais que cet espace fonctionne de la même manière – au Balcon, on contemple en silence les mouvements incessants du ciel et des gens.« 

Céline voit la vie en bleu à Miami

Céline voit la vie en bleu à Miami

Du marbre bleu et des formes pyramidales, tel est le fruit du design imaginé par l’artiste suisse Valerio Olgiati mandaté par la célèbre marque de luxe Céline pour concevoir l’intérieur de sa boutique à Miami.

Avec deux points de vente à New York et à Beverly Hills, Céline s’installe désormais à Miami, dans le Design District, le magasin étendu sur deux étages rejoint ainsi les autres grands noms de la haute couture déjà présents dans ce quartier très branché de la ville tels que Gucci , Tom Ford et Louis Vuitton.

Pour la réalisation de ce troisième magasin outre-Atlantique, la marque de mode a confié la conception d’un espace pouvant accueillir entièrement ses collections de prêt-à-porter et d’accessoires à Valerio Olgiati.

Le studio de design a ainsi décidé de décorer la façade, les murs et les sols du magasin en marbre brésilien Pinta Verde pour apporter une ambiance originale dans des tons pastels. Un lieu propice à la rêverie et à la légèreté.

Inspirés par la patine bleu-vert unique du matériau, ils ont voulu créer un «lieu où l’on peut imaginer un univers interne».

Les architectes ont décidé de découper des parties du plafond du sous-sol pour y insérer deux volumes pyramidaux permettant d’accéder au rez-de-chaussée de la boutique.

Des dalles épaisses en marbre ont été utilisées comme présentoirs pour les chaussures et les sacs à main.  Les vêtements sont, quant-à eux, suspendus à de simples balustrades en laiton brossé. Des détails de texture supplémentaires sont ajoutés par des tapis et des coussins gris semblables à du suède.

Photographies de Mikael Olsson

 

Novice Living Quarters : un nouveau dortoir pour les apprentis moines de Buddhanimit Temple en Thaïlande

Novice Living Quarters : un nouveau dortoir pour les apprentis moines de Buddhanimit Temple en Thaïlande

Buddhanimit Temple, situé dans une communauté rurale à Udon Thani, en Thaïlande, est une école boudhiste qui fournit une éducation gratuite aux familles n’ayant pas les moyens de s’offrir une éducation publique. En raison de l’augmentation du nombre d’étudiants inscrits comme moines débutants, un dortoir supplémentaire était nécessaire. Après l’inspection du site, un bâtiment abandonné a été découvert à côté du bâtiment scolaire existant. Les architectes, Skarn Chaiyawat, Rina Shindo et Witee Wisuthumporn, ont alors proposé de rénover ce bâtiment abandonné afin de le transformer en dortoir avec l’ajout d’une nouvelle bibliothèque et d’une salle de bain.

Un programme fournissant non seulement plus d’espace d’étude et de récréation pour les apprentis moines dans le budget spécifié, et permettant également de fusionner et respecter le contexte, la structure et les matériaux existants.

Le dossier initial du projet prévoyait la construction d’un dortoir de deux étages dans le cadre d’un budget de 6 millions de bahts (155 000 €). Après des inspections approfondies du site et des ateliers avec les moines et les novices, les architectes ont proposé un plan économique pour la rénovation d’un bâtiment existant abandonné.

Les architectes ont conservé les poutres et les colonnes en béton armé existantes tout en ajoutant seulement les éléments architecturaux nécessaires pour fournir de nouvelles chambres partagées à une quarantaine de moines débutants. Les chambres sont conçues avec des tuiles translucides installées à des endroits spécifiques pour la lumière naturelle. Ces chambres sont reliées à un grand couloir qui sert d’espace de loisirs commun aux moines novices.

L’une des caractéristiques remarquables du dortoir est constituée par les blocs de ventilation en ciment qui sont conçus de manière à offrir une certaine intimité à la vue du public et à fournir des ouvertures pour la lumière et la ventilation.


Derrière le bâtiment du dortoir se trouve la zone de baignade commune. Le toit du bain communal a été pensé de manière à répartir uniformément la lumière du jour àl’intérieur des bâtiments en alternant des tuiles translucides et solides. Par conséquent, la lumière naturelle et le flux d’air augmentent à des niveaux appropriés, ce qui se traduit par une amélioration globale de l’état hygiénique.


Les architectes ont aussi proposé de construire une bibliothèque plus grande pour le bâtiment scolaire existant. Avec un plancher surélevé et un toit incliné, la conception  passive de cette bibliothèqueaméliore le flux du vent, diminue l’humidité, refroidit la surface du sol et empêche la lumière directe du soleil de surchauffer la pièce et de détériorer les ouvrages.


La collaboration entre tous ces arcteurs a permis à Novice Living Quarters d’offrir une meilleure qualité de vie aux moines novices tout en contribuant à leur propre style de vie.

Photographies de CHAOVARITH POONPHOL

MAD célèbre le relief escarpé et enneigé du nord-est de la Chine avec un centre de conférences à Yabuli

Il y a quelques jours, MAD Architects , a dévoilé les premières images de son nouvel édifice installé dans les montagnes de Yabuli dans le nord – est de la Chine : le centre de conférences du Forum des entrepreneurs chinois.

A travers une structure en forme de tente définie par des lignes douces et inclinées, le projet de MAD , également appelé «Centre de conférences Yabuli», vise à incarner et à mettre en valeur «les ambitions, les idéologies et la pensée critique avancée des membres du CEF».
Avec un paysage montagneux enneigé connu pour son relief accidenté et ses températures glaciales, Yabuli accueille chaque année le sommet du China Entrepreneur Forum (CEF) considéré comme le «Davos d’Asie». L’insertion harmonieuse du bâtiment dans ce paysage de haute altitude incarne l’atmosphère dynamique du nord de la Chine tout en reflétant son environnement montagneux.
Les 16 000m2 organisés sur quatre étages, comprennent un musée, un petit auditorium de 356 places, un auditorium de plus de 1000 places et une série de salles de conférence, de studios et d’expositions.
Le puits de lumière du projet situé sur le sommet du toit à 24m de haut permet à la lumière naturelle d’inonder l’intérieur. Le vitrail de cet élément central sert également de métaphore pour la fonction entrepreneuriale du système, symbolisant les «idées brillantes et les discussions brillantes générées lors des événements qui s’y déroulent».
Tout au long du projet, des fenêtres ont été positionnées pour créer des panoramas ininterrompus du paysage environnant, tandis que des places publiques à l’avant et à l’arrière ouvrent le bâtiment vers son environnement naturel.
Rendus réalisés par MIR

 

Six géants de l’architecture en compétition pour redessiner la skyline de Melbourne

Six géants de l’architecture en compétition pour redessiner la skyline de Melbourne

Dans le cadre de la refonte de Southbank, six des plus célèbres studios d’architecture au monde ont été sélectionnés pour proposer une vision novatrice de ce quartier de Melbourne : BIG , OMA, UNStudio, MAD Architects, MVRDV et Coop Himmelb(l)au. Avec l’ambition d’être conçu comme «un environnement à la fine pointe de la technologie et à vocation mixte» axé sur l’innovation en architecture et en design, le projet de 2 milliards de dollars sera le plus important projet en une phase de l’histoire de Victoria, en Australie.

Tours en torsion, blocs entrelacés, quartiers empilés … les six projets présélectionnés et révélés lors d’un symposium public  qui s’est déroulé le 27 juillet dernier se positionnent tous sur le site BMW Southbank de 6 000 mètres carrés.

Le projet lauréat s’inscrira comme un mélange de fonctions commerciales, hôtelières, résidentielles, commerciales, culturelles et publiques, qui seront développées par les spécialistes immobiliers de Melbourne. Après avoir été choisies en Avril, les six agence n’ont eu que quelques mois pour développer le concept de ce projet. Les dessins seront exposés au Pavillon Beulah à Melbourne jusqu’au 1er août, avec l’annonce du  gagnant attendu au cours de ce même mois.

« The Lanescraper » de  BIG – Groupe Bjarke Ingels /  Fender Katsalidis Architects

Le « Lanescraper » comporte deux blocs, qui s’emboîtent créant une connexion rigide entre les espaces et formant ainsi une séries de ruelles. Atteignant une hauteur de près de 360 ​​mètres, le projet propose une gamme de commodités résidentielles, commerciales et culturelles, y compris des bureaux, des appartements avec services et une bibliothèque. Un « auditorium concentrique à deux niveaux » est également proposé pour accueillir plus de 3000 personnes, ainsi qu’un « centre d’expérience BMW » occupant quatre niveaux, reliés par un vide central et un ascenseur de voiture.

« The Beulah Propeller City » de Coop Himmelb (l) au  /  Architectus

« The Beulah Propeller City » est une ville verticale de 335 mètres de haut divisée en quatre fonctions: podium public, bureau, hôtel et tour d’appartements. Le programme comprend 18 étages d’espaces commerciaux et publics à usage mixte, y compris des espaces d’exposition, des cinémas et des studios d’enregistrement. Cet hôtel de 15 étages dispose d’une terrasse avec jardin d’hiver, d’une piscine et d’une forêt tropicale humide.

« Urban Tree » par  MAD Architects /  Elenberg Fraser

« Urban Tree » dispose de petits contreforts verts menant à un « village de montagne » comprenant une aire de jeux pour enfants, des œuvres d’art publiques et une fontaine d’eau.  43 étages résidentiels et 24 étages d’hôtels cohabitent dans cette tour de 360 ​​mètres de haut. Le programme comprend également un auditorium de 1 200 places, une salle de concert de 800 places, une bibliothèque, un cinéma et des bureaux. L’originalité du projet réside dans « The Cloud », un espace public d’agrément de 317 mètres de haut dans le ciel, offrant des panoramas à 360 degrés de Melbourne . « The Cloud » change d’aspect en transitions diurnes, illuminées par un spectacle de LED.

« Stack » par  MVRDV /  Woods Bagot

« Stack » est un gratte-ciel de 359 mètres de haut comprenant « des quartiers empilés reliés de bas en haut et vice versa par des ascenseurs, des escaliers et des escaliers mécaniques pour créer une ville verticale interconnectée. » Chacune des barres verticales du système contient une fonction unique. Au centre du bâtiment, une piscine entourée d’un amphithéâtre, de terrasses et d’escaliers, tandis qu’un jardin tropical sur le dessus de l’hôtel offre des vues sur la ville.

OMA  /  Conrad Gargett

Le projet imaginé par OMA et Conrad Gargett met l’accent sur la base du bâtiment, plutôt que sur sa couronne, en s’inspirant des arcades historiques de Melbourne et des marchés voûtés. La base se compose d’une ville verticale à usage mixte, ouverte 24h / 24 et 7j / 7, dominée par des éléments culturels, commerciaux, éducatifs et sociaux, et traversée par de grands escaliers mécaniques et des ruelles. Au-dessus de la ville verticale, le programme comprend des espaces de bureaux commerciaux, un hôtel, des résidences et des équipements de soutien. La fonction résidentielle est située au sommet de la tour, maximisant les vues sur la ville et la lumière du jour.

« Green Spine » par  UNStudio /  Cox Architecture

« Green Spine » se compose de deux tours de verre en torsion. La première tour, destinée à un programme résidentiel et couronnée par un futur jardin botanique accessible au public s’élève à 356 mètres, tandis que la seconde, accueillant un hôtel et des bureaux atteint 252 mètres. Envisagé comme une prolongation conceptuelle du boulevard Southbank, le projet prévoit une liaison piétonnière au niveau de la rue jusqu’à un quartier commercial et de divertissement.

L’installation de nituniyo + memosesmas  : une toile éphémère invitant les passants à s’exprimer

L’installation de nituniyo + memosesmas  : une toile éphémère invitant les passants à s’exprimer

Dans le cadre du festival des Fallas de Valence, une équipe formée par les studios espagnols Nituniyo et Memosesmas , a conçu une sculpture servant de toile vierge sur laquelle différents artistes expriment leurs idées, une «falla» avec une forme indéfinie qui cherche à répondre à une réalité changeante.

«Le thème des fallas est généralement déterminé par les événements de l’année écoulée», explique les concepteurs. «Actuellement, les événements semblent se dérouler à un rythme qui rend très difficile l’assimilation et la réflexion sur ce qui se passe. Comment une falla peut-elle refléter ce fait? L’impossibilité d’être le reflet de l’actualité vertigineuse et changeante? Faudrait-il renoncer à la falla pour avoir la forme? Pourrait-il avoir une forme mutable? Nous proposons un falla capable d’adopter différentes formes, une sorte de canevas vierge en trois dimensions qui peut être modifié quotidiennement et être le support du message souhaité à chaque instant. »

La sculpture se caractérise par un panneau géant de forme rectangulaire pourvu de multiples tubes mobiles, permettant ainsi aux artistes et aux visiteurs du festival de créer leurs propres œuvres d’art. L’équipe a invité trois artistes à façonner le travail pendant les jours de l’événement: l’architecte Miguel Arraiz , le designer Carlos Tíscar et l’illustrateur Luis Demano .

Le dernier jour du festival, l’installation est brûlé avec des centaines d’autres monuments de la ville, marquant la nature éphémère de l’œuvre.

Concours : la Maison de l’architecture récompense les meilleurs PFE et Mémoires d’Ile-de-France

Concours : la Maison de l’architecture récompense les meilleurs PFE et Mémoires d’Ile-de-France

La maison de l’architecture d’Ile-de-France organise un concours annuel récompensant à la fois les meilleurs pfe et les meilleurs mémoires des étudiants franciliens en architecture. Pour cette deuxième édition, parrainée pour l’occasion par l’Atelier Rita, douze projets de fin d’études et cinq mémoires seront récompensés par la maison de l’architecture en Ile-de-France. Une initiative destinée à promouvoir la conception et la pensée architecturale dans les écoles.

La Maison de l’architecture en Ile-de-France ambitionne de construire des liens solides avec les écoles d’architecture avec l’objectif d’être à la fois un lieu de diffusion de la culture architecturale pour les étudiants, un lieu où l’on apprend, échange et expérimente mais aussi d’être un espace de valorisation du travail réalisé dans les écoles.

C’est la raison pour laquelle, la Maison de l’architecture en Ile-de-France a souhaité mettre en place deux prix annuels qui récompensent le travail des étudiants des écoles franciliennes : le prix des meilleurs diplômes et le prix des meilleurs mémoires. Une exposition, une publication et une journée d’études permettront de rendre visible cette production et d’engager des débats sur les questions qui animent les jeunes architectes de demain.

La Maison de l’architecture en Ile-de-France récompensera en novembre 2018 douze projets de fin d’études des écoles d’architecture parisiennes. Dans le cadre de l’exposition des meilleurs PFE, la Maison de l’architecture en Ile-de-France organisera une journée d’étude le 28 novembre 2018 dans laquelle les étudiants lauréats du « meilleur mémoire » présenteront leurs recherches : chaque présentation sera suivi de l’intervention d’un chercheur confirmé et reconnu afin d’engager un débat transgénérationnel.

Les PFE doivent être présentés sur deux A3 format numérique et le dossier de candidature est à envoyer avant le 5 septembre à inscription@maisonarchitecture-idf.org.

Le dossier de candidature pour remporter le prix 2018 des meilleurs mémoires doit également être envoyé avant le 5 septembre à inscription@maisonarchitecture-idf.org

La maison de l’architecture en Ile-de-France distinguera en octobre 2018 cinq mémoires réalisés dans les écoles d’architecture parisiennes. La Maison de l’architecture éditera dans une publication annuelle les mémoires des étudiants lauréats. Dans ce cadre, les mémoires seront présentés sous la forme d’articles scientifiques de 30 000 signes. Les lauréats seront désignés le 28 novembre, ils devront rendre avant le 20 décembre l’article issu de leur mémoire.

Formulaires de candidature:
Prix 2018 des meilleurs Diplômes de la Maison de l’architecture Ile-de-France ICI
Prix 2018 des meilleurs mémoires de la Maison de l’architecture Ile-de-France ICI

Informations complémentaire auprès de Léa Mosconi, architecte et vice- présidente pour les relations avec les écoles, le monde de la recherche et les étudiants à inscription@maisonarchitecture-idf.org

Hofman Dujardin repense la façon dont nous disons au revoir

Evoquer le thème de la mortalité en architecture demande une réelle réflexion sensible sur le sujet. C’est le défi que s’est lancé le studio hollandais Hofman Dujardin qui a cherché à « repenser la façon dont nous disons au revoir » avec la conception d’un nouveau centre funéraire favorisant l’engagement entre architecture et mortalité.

Le cercueil placé à l’épicentre du bâtiment s’inscrit dans un schéma traduisant la séquence commémorative en trois moments: le rassemblement des amis et de la famille, la cérémonie du souvenir et le moment de la rencontre sociale.

La première salle est consacrée au rassemblement des amis et de la famille, bordée d’un «mur de mémoire». En effet, il s’agit d’écran multimédia faisant office d’hommage célébrant la vie du défunt grâce à des vidéos et des photographies recueillies auprès de la famille. Les images forment un arrière-plan à l’atmosphère silencieuse, créant un moment de partage collectif autours de récits et d’histoires.

La deuxième salle accueille la cérémonie du souvenir et définit la forme des trois pièces. Un plan triangulaire génère une atmosphère intimiste par le biais de deux murs courbes convergeant vers l’intérieur et créant ainsi un passage pour le cercueil. La cérémonie se déroule face à un vaste panorama donnant sur l’environnement naturel du lieu. Une métaphore évoquant le «retour vers la nature, la fermeture du cercle de la vie».

Une atmosphère chaleureuse et réconfortante se dessine grâce aux murs et au sol revêtus de bois, tandis qu’une table de service ronde neutre rend la salle idéale pour les événements formels et informels. Un espace propices aux échanges et à la création de lien social suite à la perte d’un proche.

« Le manque de places pour des envois dignes entraîne des sentiments de malaise pendant les moments cruciaux de notre vie. En suivant naturellement notre philosophie de conception Shaping Intuition®, en mettant l’accent sur les valeurs intuitives des êtres humains, nous avons conçu un centre funéraire qui tente de briser cet inconfort. Le design combine des qualités intemporelles avec des éléments de nos modes de vie modernes » explique Michiel Hofman, co-fondateur, HofmanDujardin

«La jeunesse est une qualité, et une fois que vous l’avez, vous ne le perdez jamais, et quand ils vous mettent dans la boîte, c’est votre immortalité», a déclaré Frank Lloyd Wright. Une réflexion intemporelle offrant un aperçu de la façon dont les architectes placent non seulement leurs bâtiments, mais aussi leurs vies et leurs carrières en perspective.

Hono Izakaya : un pub urbain japonais alliant sobriété et matériaux bruts

Hono Izakaya : un pub urbain japonais alliant sobriété et matériaux bruts

Entre minimalisme et rusticité, cette taverne japonaise, logée en plein Québec sur la rue Saint-Joseph et designée par l’architecte Charlène Bourgeois, est un savant mélange de lignes épurés asiatiques combinées avec le caractère populaire des bistrots de la région.

L’izakaya est la cousines japonaises des bistrots parisiens ou pubs londoniens. Concernant la taverne québécoise Hono Izakaya de l’espace du restaurant a été divisé en plusieurs zones délimitées par une large structure en bois.

Charlène Bourgeois a également souhaité conserver des traces du lieu en gardant certaines caractéristiques qui le composaient avec notamment un mur de pierres situé près de l’entrée,camouflé autrefois par des panneaux à motifs de briques. Ce choix conceptuel s’inscrit comme un rappel au passé du bâtiment, tout en tranchant avec l’aspect minimaliste et l’esthétisme épuré de la culture japonaise.

Pour créer différents paliers de places assises, la designer a choisi de surélever le plancher. Des marches permettant d’accéder du bar à la cuisine créent une certaine intimité dans les divers espaces.

Concernant le mobilier, elle a opté pour un contraste de teintes avec des chaises « bistro » vintage en bois brun et des tabourets au piétement noir mis en opposition avec les couleurs naturelles des matériaux laissés bruts, les tuiles « métro » blanches et les tables aux essences claires. Vaisselle et objets décoratifs minimalistes, meubles encastrés, luminaires modernes et jardinières suspendues complètent harmonieusement l’espace baigné de lumière de la taverne japonaise.

Pour aménager ce local et lui apporter une atmosphère  à la fois moderne et industrielle, la conceptrice a choisi des matériaux simples, mais non moins élégants, comme le bois et le contreplaqué. Une association subtile et harmonieuse qui détermine parfaitement l’identité et l’essence même du lieu.

Photos de Maxime Brouillet

Michael Jantzen dessine une chapelle imaginaire ouverte à tous

Michael Jantzen, artiste et designer américain, a développé le concept d’une chapelle au Nouveau-Mexique, avec la particularité d’être ouverte à toutes les religions. Pour représenter son ouverture à tous, celle-ci dispose d’une série de cadres à pignons s’étendant jusqu’au ciel.

Entourée de montagnes, la chapelle imaginée par l’artiste serait située à un emplacement proche de Sante Fe, la capitale de l’État américain. Le projet est décrit par Michael Jantzen comme une maison pour les personnes impliquées dans «une grande variété d’entreprises spirituelles». La chapelle servirait de lieu de rassemblement. Plutôt que de séparer ses visiteurs par des croyances différentes, le sanctuaire permettrait de se réunir tous ensemble quelque soit l’appartenance religieuse des individus.

« Mon espoir en tant que concepteur de la Chapelle pour le Nouveau Mexique est que sa conception aidera à promouvoir l’idée du multiculturalisme, de l’inclusion et de la tolérance« , déclare Jantzen.

Inspirée du principe d’inclusion, la conception de la chapelle comporte une structure à quatre côtés, comprenant chacun un cadre en acier peint en blanc et en béton rempli de verre. Ce cadre répété sept fois de chaque côté forme des murs en couches se rétrécissant vers le haut et vers l’extérieur. Construite sur une plate-forme carrée blanche avec des marches positionnées sur son pourtour, la chapelle serait accessible par des portes vitrées placées sur chaque façade. À l’intérieur, au centre de l’espace, un podium circulaire surélevé viendrait prendre place afin d’être utilisé par «un ministre, un prêtre, un rabbin ou tout autre orateur inspirant».

 

Bien que conceptuelle et totalement imaginaire, la chapelle de Jantzen pour le Nouveau-Mexique s’inscrit comme un projet pleins de belles promesses, porteur d’un message pacifiste et de valeurs humaines. Avec cette initiative, l’artiste ouvre la voie à de nouvelles approches conceptuelles pour l’art et l’architecture de demain et en prouvant l’importance symbolique des messages que ces derniers peuvent véhiculer.