Alexis Christodoulou, est un artiste 3D autodidacte vivant au Cap, en Afrique du Sud dont l’oeuvre principal repose sur la cration d’espaces architecturaux imaginaires qu’il expose sur son profil instagram sous le pseudonyme @teaaalexis . Fasciné par l’univers du numérique et le monde du graphisme 3D, en passant par les jeux vidéo, Alexis Christodoulou a développé une frustration face au manque d’esthétisme dans ces images. Son oeuvre est une simple extension de ce désir de voir des espaces fantastiques faisant écho à une esthétique plus moderne et plus poétique.
Christodoulou a débuté la création de ses visuels inspirés de l’architecture il y a cinq ans, en s’initiant à la modélisation à partir de tutoriels YouTube tout en travaillant comme rédacteur dans une agence de publicité.
Avec des ambiances teintées de pastels, les enduits qu’il développe se caractérisent souvent par des surfaces carrelées et revêtues de terrazzo, des bassins d’eau servant de transition entre les espaces intérieurs et extérieurs, des arcs, des meubles incurvés et des objets en forme de globe ou des ouvertures circulaires.
Sa série actuelle, intitulée Imagined Architectural Spaces, a débuté en janvier 2017. Elle l’a aidé à accumuler plus de 30 000 abonnés sur Instagram.
« Je fais les espaces parce que je pense que j’aime l’idée d’y aller et de m’échapper un moment« , explique Christodoulou.
« Je n’ai jamais pensé que j’aurais autant d’adeptes et tant d’attention« , a t-il poursuivi. « C’est vraiment surréaliste, je suis assis en Italie en ce moment à cause de mon art 3D et je dois encore me pincer tous les jours pour vérifier si tout est réel. »
Christodoulou utilise les logiciels suivant pour la création de ses images : Cinema 4D, Redshift, Photoshop et Lightroom. Bien que les tendances actuelles en matière de rendu architectural favorisent des images extrêmement réalistes, Christodoulou a voulu se différencier par un style unique et original. Dans son travail, les éléments architecturaux sont sélectionnés pour créer divers effets avec la lumière, tandis que les objets et la palette de couleurs reflètent son goût personnel dans la conception.
« De nos jours, certains rendus architecturaux semblent hyper réalistes au point qu’ils sont presque méconnaissables en tant que rendus 3D »
« J’aime que mes images aient une certaine fausse qualité à leur sujet pour que le spectateur sache qu’il ne doit pas être trop sérieux avec son imagination lorsqu’il regarde les images. »
Christodolou décrit le rendu 3D comme une forme d’art. Son succès inattendu avec ses rendus architecturaux lui a permis de se concentrer de plus en plus sur son art à plein temps.
« [Les images sont] un peu un carnet de croquis pour moi, donc je ne m’inquiète pas trop de savoir où cela se passe tant qu’il continue à se développer »
Cet ancien rond-point comportant de nombreux passages souterrains, a fait l’objet d’une longue réflexion urbaine ayant durée pas moins de six ans pour ainsi détourner les routes, bloquer les métros dangereux et transformer la zone en nouvel Aldgate Square, l’un des plus grands espaces publics de Londres. 
Le pavillon prend place dans ce nouveau paysage urbain et offre par la même occasion une meilleure connexion entre les deux bâtiments du patrimoine distinctif qui se trouvent de chaque côté du nouvelle place: l’église St Botolph sans Aldgate et l’école primaire de la Fondation Sir John Cass. Cet agrément public sera géré par l’entreprise sociale locale Kahaila comme un café et un espace communautaire multifonctionnel.
L’architecte du projet Sarah Shuttleworth a déclaré: «Le projet final est beau, distinctif, mais aussi respectueux de l’architecture et du patrimoine qui l’entourent. Il fournit une commodité civique sur mesure et l’ambition ainsi que la détermination de la City of London Corporation de persister et de livrer la place et le pavillon – malgré les défis – afin de transformer cette parcelle de Londres au profit de la communauté locale, doivent être applaudies « 
Chris Hayward, président de la Ville du comité de planification et des transports de London Corporation, a déclaré: « Cela a été un plaisir absolu de voir un mouvement giratoire qui reflète des années 1960 la planification du trafic, amené dans le 21 
Dessinée avec l’utilisation d’un système paramétrique, la forme du pavillon a été soigneusement imaginée en fonction des principaux accès piétons de la nouvelle place. 
À l’intérieur, les bandes de bardage sont imitées sur le soffite, avec des panneaux de bois lamellé-collé blanc géométrique, pourvus de fentes perforées pour une meilleure acoustique. Ce pavillon a été désigné de manière à être le plus flexible possible et devenir une véritable plaque tournante pour la communauté – un espace qui pourrait fonctionner comme un café, pour des expositions, pour des réunions communautaires.
Le bâtiment d’une surface de 325 m2 reprend une partie des anciens métros pour aménager un sous-sol destiné aux installations techniques, aux cuisines et aux toilettes. Une façon de diminuer considérablement la quantité de terrain nécessaire au-dessus du sol et donc livrer un plus grand espace public. 
Concernant la structure, celle-ci a été préfabriquée hors site par Littlehampton Welding, puis démontée afin de rouiller pendant la préparation du site par l’entrepreneur Kier. 
« Dévoué à l’art et à la création contemporaine, s’inspirant de l’esthétique de MiMo – Miami Modern, le nouvel hôtel propose une toute nouvelle façon de visiter l’île, entourée d’œuvres d’art de qualité« , a déclaré le 
Conçu par le studio espagnol 
Les œuvres d’artistes accrochées dans les chambre sont directement affiliées au programme artistique de l’hôtel, dirigé par l’artiste et conservateur Iñaki Domingo, et la photographe et cinéaste Diana Kunst. On peut ainsi retrouver en guise de tête de lit, des illustrations de la Japonaise Yoko Honda ou de la Parisienne Marylou Faure.
« Les clients seront complètement entourés d’art dans un cadre unique, avec des œuvres d’artistes contemporains installés dans toutes les salles d’art de l’hôtel« , a déclaré l’hôtel.
Une des chambres se distingue encore plus que le reste : la Suite Zéro. Entièrement vitrée et située au milieu du lobby de l’hôtel, cette suite marque d’emblée la singularité de l’hôtel. Elle est accessible gratuitement et peut se transformer en atelier. En effet, chaque mois elle héberge un artiste différent venu effectuer une micro résidence, offrant ainsi à ses hôtes des moments de création uniques.
Disponible un week-end par mois, les résidences encouragent les participants internationaux à créer des interventions spécifiques au site pendant leur séjour dans la zone jaune vif.
Enfin, l’hôtel dispose de sa propre galerie d’art abritant trois expositions pendant chaque haute saison, mais également une bibliothèque d’art permettant aux invités de parcourir des œuvres contemporaines toute l’année. « Paradiso Ibiza Art Hotel aspire à devenir une référence pour la scène artistique locale« , a déclaré l’hôtel.
Ancré au sol par un mât en acier incliné de 32 mètres, le ballon une fois gonflé mesurerait près de 30 mètres de diamètre.
The Orb servirait de point de repère pour les festivaliers, reflétant la foule pendant la journée et brillant la nuit grâce à des lumières en sous face.
« The Orb est un miroir pour les amoureux de la terre – reflétant le jour qui passe, la vie qui évolue et d’autres œuvres d’art – une nouvelle planète pour les fans de science-fiction, un chercheur pour les voyageurs ou juste une grande discothèque pour ceux qui aiment une bonne fête »
Comme expliqué sur la page de collecte de fonds, le design semble simple mais en réalité «cache beaucoup de complexité et d’effort», augmentant le coût de production.
Bjarke Ingels et Jakob Lange ainsi que leur groupe d’architectes et d’artistes ont déjà financé eux-mêmes une grande partie du projet. Des fonds supplémentaires aideront à couvrir le coût d’une plaque de base, d’un mât, d’ancres de fondation et de ventilateurs pour gonfler le ballon.
Les fermes triangulaires créeront différents chemins dans le centre du pavillon, où un mandala géant imprimé en 3D sera placé. De petites alcôves le long des itinéraires offriront aux visiteurs des espaces pour écrire et réfléchir.
La structure a été imaginée à l’aide d’outils de modélisation numérique 3D tels que Rhino et Grasshopper. Il fait référence à la planète fictive Gaia de la série de livres de science-fiction des années 1980 de l’auteur américain Isaac Asimov.
« Une forme supérieure de Gaia dans la série Foundation d’Isaac Asimov, Galaxia est le réseau ultime, le tissu de l’univers reliant les êtres vivants en une seule entité.« 
Trouver un moment pour se connecter avec la nature lorsqu’on vit dans une grande ville est compliqué. Un problème lié non seulement à un mode de vie personnel qui tourne autour de notre travail mais aussi à l’organisation et le fonctionnement de l’espace urbain. Le projet Tree Hopper est donc un système qui vise à associer les moments de travail, les instants relax et de communion avec la nature grâce à une structure innovante qui se place autour des arbres. Celle-ci est dotée de sortes de nids qui permettraient aux personnes de « se déconnecter de la ville tout en restant dans la ville ».
S’octroyer un moment de détente dans la nature avec nos villes globales devient une mission quasi impossible, même si l’augmentation des réseaux d’infrastructures de transport nous permet d’atteindre plus facilement les environnements naturels paisibles isolés. Le problème ne réside pas dans la connectivité, mais plutôt dans le mode de vie des citadins, consommé par le trajet jusqu’au travail, la journée de travail et le retour à la maison. En moyenne, le transport et le travail occupent 20% de notre temps. Nécessités par la survie, ces composantes déterminantes dans nos vies façonnent physiquement nos villes, leur façon de fonctionner et même nos modes de vie personnels.
« Tree Hopper est une réponse est ue réponse particulièrement intéressante face à cet espace temporel de transition entre le temps de trajet et le temps de travail. C’est là que réside l’opportunité de faire pencher la balance entre la routine de tous les jours et les moments qui répondent à nos sens altérés en encourageant les temps d’arrêt nécessaires et finalement le bonheur. Nous mettons l’accent sur des solutions pratiques et réalisables qui améliorent la vie des gens grâce à la création d’environnements urbains durables et positifs. » expliquent les architectes du projet.
Installée verticalement autour d’un arbre tout en conservant une distance suffisante pour le laisser évoluer au fil du temps, la structure se développe comme une extension épousant la forme tronc afin d’y accueillir un escalier hélicoïdal. Des cocons, accessibles à tous, viennent se greffer sur cette structure. Créé pour être un lieu de bien-être et de détente, le Tree Hopper reprend l’architecture des ruches, avec des nacelles en fibre de carbone, souples et transparentes, permettant de profiter pleinement du paysage tout en étant protégé de la météo extérieure.
Ces bulles disposent d’un lit pour se reposer et d’éclairages LED pour éventuellement lire un livre, il est également possible de recharger son téléphone grâce à un port USB et de profiter du wifi. De plus, les concepteurs ont également pensé à une application nommée Tree Finder, offrant la possibilité aux usagers de trouver l’emplacement le proche des cocons disponibles pour aller s’y lover quelques heures.
Implanté sur une esplanade entourée de fourrés denses de bambous, l’Apple Store se compose d’une façade réalisée en pierre et composite de verre, ainsi que d’un atrium central végétalisé grâce à une mini bambouseraie. Les couches de verre sont recouvertes par de la pierre très mince, créant l’illusion d’un mur solide laissant passer la lumière.
Pour la conception de cette lanterne technologique, Foster + Partners a collaboré avec Sir Jonathan Ive, responsable du design de la firme américaine.
« Nous voulions créer quelque chose de très pur et simple – un bâtiment magnifique et élégant qui complète les sons, les images et les couleurs de Macao, tout en incarnant un sentiment de clarté et de quietude », a déclaré Stefan Behling chef de studio de 
« Le design crée deux espaces distincts, l’un à l’intérieur et l’autre à l’extérieur, empreints d’un sentiment de beauté authentique découlant de l’utilisation innovante de matériaux naturels. »
L’intérieur a été conçu comme l’inverse spatial de la place, avec un «bosquet» de bambou croissant au centre de l’espace. Les feuilles de bambou poussent vers l’étage supérieur, à travers une percée de forme carrée dans le sol.
On retrouve également un écran de bambou enveloppant l’extérieur du bâtiment.
Photographies de Nigel Young .
Intitulée « Le Capela do Monte », qui se traduit simplement par une chapelle à flanc de colline, la chapelle s’inscrit dans le paysage pittoresque de la région de l’Algarve au Portugal et fait également partie du complexe Monte da Charneca.
Totalement autosuffisant, le projet a été planifié sans l’intervention de services externes. Pour ce faire, le bâtiment a été conçu de manière à pouvoir se chauffer et se refroidir naturellement, grâce à l’utilisation de matériaux soigneusement sélectionnés. En effet, ses murs épais ont été réalisés en briques perforées et revêtues d’un enduit de calcaire aussi bien à l’intérieur qu’à l’extérieur.
Siza, lauréat du Prix Pritzker en 1992, décrit la chapelle comme « un pur projet architectural »
Accessible uniquement par un seul sentier, la caractéristique la plus distinctive de la chapelle est sa façade simple en forme de U, qui fait face à une terrasse épousant la orme de la colline. Derrière cette façade se trouve une ouverture permettant à la lumière du soleil de pénétrer dans le hall d’entrée du bâtiment.
Une fois dans cet espace, les visiteurs sont accueillis par trois fresques murales sur mesure, comportant des illustrations basées sur des croquis de Siza et représentant différentes scènes racontant l’histoire de la vie de Jésus.
Contre la paroi arrière de la pièce, trône une abstraction de la croix traditionnelle.
Le couple a demandé à Siza de superviser le plan pour la prochaine phase de développement du site. En plus de la chapelle, qui a ouvert ses portes au printemps 2018, il ajoutera une série d’autres installations, y compris d’autres bâtiments résidentiels. L’objectif est de créer une retraite qui valorise le patrimoine agricole de la région auprès des touristes. L’ensemble du projet devrait être terminé d’ici 2021.
