Un bâtiment blanc comme la neige signé Nakache & Orihuela Architectes voit le jour à Paris

Un iceberg immaculé de Corian® Solid Surface en plein Paris, voilà le défi relevé par  l’agence Nakache Orihuela Architectes. Ce nouveau bâtiment phare à la blancheur aussi pure que de la neige se situe au croisement des rues, Lakanal, Mademoiselle et Croix Nivert dans le XVe arrondissement de la capitale. Il traduit la volonté architecturale de ses concepteurs d’ériger un bâtiment iconique dans un contexte hétérogène.

© Pierre L’Excellent

Avec la réalisation de 10 logements collectifs sociaux et deux espaces commerciaux, l’enjeu principal de ce projet reposait sur l’intégration de ce dernier dans un environnement urbain relativement disparate. En effet, selon  Elogie-Siemp à la tête de la maîtrise d’ouvrage, il était important que l’esthétique, la qualité des usages et la faible consommation énergétique cohabitent en harmonie dans ce projet, tout en offrant une qualité de vie optimale à ses occupants.

© Pierre L’ExcellentComposé de 5 étages, le bâtiment semble sculpté dans la matière. Ses arrêtes arrondies, quant-à-elles, paraissent s’être adoucies avec le temps comme si le trafic urbain avait poli les angles du volume. Un socle entièrement vitré donnant sur la rue, abritant les commerces et des espaces communs, soutient cette masse volumique. Les façades de la construction,  recouvertes de Corian® Solid Surface couleur Glacier White, sont ajourées en fonction de l’orientation des vues et de l’ensoleillement du carrefour donnant naissance à des baies plus ou moins larges. Pour préserver l’intimité des locataires sans obstruer la vue et l’apport en lumière, un savant jeu de découpe a été mis en place grâce à des claustras en Corian® Solid Surface perforé protègeant les terrasses des logements. L’utilisation du  Corian® Solid Surface comme matériau d’enveloppe a permis aux architectes une plus grande liberté d’expression et de conception mais aussi de garantir au bâtiment une facilité d’entretien assurant ainsi sa pérennité dans le temps.

© Pierre L’Excellent

Réalisés par CREA Diffusion, Industrial Partner du Corian® Solid Surface Quality Network, les détails esthétiques du bâtiment, tels que le pan incliné et les angles arrondis, ont été complexes à mettre en place. La beauté architecturale de cet iceberg uniforme aux faces aussi lisses que du papier témoigne d’un savoir-faire hautement maîtrisé avec entre autres des jointures quasiment invisibles. Pas moins de 800 m² de  Corian® Solid Surface ont été fabriqués pour concevoir les panneaux brise soleil et les grands panneaux verticaux thermoformés pour la couverture et les arêtes.

© Pierre L’Excellent
© Pierre L’Excellent
© Pierre L’Excellent
© Pierre L’Excellent

Les loggias protégées par les perforations forment ainsi un espace de transition entre le carrefour et l’intérieur des logements. Le bardage en aluminium de couleur mordorée habillant les murs et les sous-faces des loggias, permettant au soleil de scintiller sur le bâtiment et d’illuminer les espaces intérieur, apporte un rythme subtil à l’édifice et contraste avec la monochromie des façades.

© Pierre L’Excellent

Créée en 2006 par Fannie Orihuela et Frédéric Nakache, NOA est une agence d’architecture et d’urbanisme basée à paris et intervenant sur un large champ de projet.  Appréhendant toutes les échelles de la ville, NOA est capable de mener une réflexion stratégique à l’échelle du grand territoire jusqu’au détail de mise en œuvre d’un bâtiment.

 

Un sanctuaire des droits de l’homme, la Magna Carta révisitée par Mark Wallinger et Studio Octopi

Une œuvre d’art architecturale signée Mark Wallinger en collaboration avec l’agence d’architecture Studio Octopi a été inaugurée à Runnymede dans le comté anglais de Surrey. Composée d’un labyrinthe et d’un bassin réfléchissant, appelé Writ in Water, l’installation commémore la signature de la Magna Carta.

Il y a plus de 800 ans, c’est dans ce même pré de Runnymede que les barons féodaux ont forcé le roi John à sceller la Magna Carta – un moment fondateur dans l’élaboration de la common law à travers le monde. Intitulée «Writ in Water», l’installation célèbre la signification durable de la charte et a été conçue pour offrir un environnement immersif de contemplation et de réflexion.

En développant le concept, l’artiste Mark Wallinger s’est inspiré de l’article 39 de la Magna Carta, qui stipule que «aucun homme libre ne doit être saisi ou emprisonné, ni déchu de ses droits ou possessions, ni proscrit ou exilé, ni privé de sa qualité dans toute Ainsi, nous ne procéderons pas contre lui de manière forcée, et nous ne l’enverrons pas autrement que par le jugement légitime de ses semblables ou par la loi du pays ».

Les visiteurs entrent par une porte et peuvent tourner à gauche ou à droite pour se promener dans un labyrinthe menant à un espace central où une piscine circulaire se trouve sous un puits de lumière.

Les architectes de Studio Octopi ont conçu ce projet en utilisant des coudées, une ancienne unité de mesure, et l’ont réalisé  à partir de pisé fabriqué à base de gravier de carrière mélangé avec du ciment.

Décrite comme une «œuvre d’art architecturale», Writ in Water est conçue pour être un lieu où les visiteurs peuvent contempler les principes de la common law et de la justice.

Une inscription renversée s’inscrit à l’intérieur de la piscine énonçant l’article 39 de la Magna Carta dans le reflet de l’eau.

L’anneau de lettrage reflète celui du sceau de la charte historique, qui a été signé à Runnymede en 1215 comme les barons féodaux ont cherché à réduire les pouvoirs d’une monarchie absolue.

« Il était important qu’elle semble pousser hors de la terre, comme si elle déposait ses propres sédiments. »

Le Royaume-Uni n’ayant pas de constitution officielle, ce document est considéré comme marquant le premier pas vers la démocratie et l’inscription des droits de l’homme dans le pays.

La piscine immobile rappelle les polices d’une église, bien que le document contraignant était une tentative de restreindre le droit divin des rois.

«Dans Writ in Water, l’utilisation de la réflexion pour rendre le texte lisible s’oppose à l’idée d’une loi gravée dans la pierre: Magna Carta a restreint ce droit divin et a émis le premier décret séculier», explique Mark Wallinger.

Le titre de l’ouvrage est tiré de l’inscription sur la pierre tombale du poète romantique anglais John Keats: « Ici se trouve celui dont le nom a été écrit dans l’eau. »

« Keats, bien que désespéré de son héritage devait devenir l’un des immortels et ses mots vivent à nouveau quand appris et répété par la génération suivante », poursuit Wallinger. »De même, bien que Magna Carta ait établi la loi et les principes naissants des droits de l’homme, le Royaume-Uni n’a pas de constitution écrite. ce qui semble être un droit d’aînesse doit être appris à maintes reprises et avoir un sens. si les mots sont éphémères ou éternels est à nous. »

 

Le projet a été commandé par Trust New Art , un programme d’art contemporain du National Trust .

 

BIG : entre l’architecture et le design il n’y a qu’un pas !

La célèbre agence d’architecture BIG a designé un vase en céramique en édition limitée à l’image d’un immense pavillon gonflable conçu en 2016 par Bjarke Ingels et son équipe.

Composé de sphères jointes qui ressemblent à un groupe de bulles, le vase en porcelaine est une réplique à échelle réduite d’une partie d’un pavillon gonflable que BIG avait imaginé conçu pour l’édition annuelle du festival de musique de Roskilde, au Danemark. Décrite par BIG comme un «pavillon de nuage ressemblant à une bulle», la structure blanche bulbeuse recréant une canopée de 120 m² abritait le stand de t la brasserie danoise Tuborg.

L’objectif de ce projet appelé Skum – le mot danois pour mousse, était de rappeler aux visiteurs les châteaux gonflables de leur enfance. Le pavillon est passé de plat à complètement gonflé en seulement sept minutes, et a été maintenu gonflé tout au long du festival grâce à une paire d’éoliennes intégrées. Des lumières LED à variation de couleurs permettaient à la structure de changer régulièrement son apparence.

Le vase Skum en porcelaine blanche mate, qui mesure 17,8 centimètres de haut et 13,4 centimètres de large, a été produit par la plateforme de design d’intérieur Mosss .

La société basée à San Francisco a créé le vase en l’honneur d’un récent atelier vidéo en collaboration avec Bjarke Ingels. Le bref set de BIG by Mosss consistait à concevoir un petit objet domestique basé sur l’un de ses designs.

Le design a été réalisé en utilisant un logiciel de modélisation 3D, ce qui a permis aux architectes de voir et d’évaluer toutes les dimensions du vase avant de créer des prototypes physiques. Après que le formulaire ait été décidé, le studio a créé des prototypes imprimés en 3D, testant différentes tailles avant de décider de l’échelle actuelle.

La conception finale est faite de porcelaine de haute qualité, qui est soigneusement poncé et fini à la main, tandis que l’intérieur est scellé pour être étanche à l’eau.

« Comme l’installation gonflable, le vase Skum a une forme de bulle et capture un sens de la créativité, de la fantaisie et du jeu« , a déclaré Mosss. « Alors que le pavillon continue à parcourir le monde des festivals de musique aux foires d’art, une petite fraction de celui-ci peut maintenant peupler les maisons privées, réincarnées en vase Skum.« 

The London Mastaba : Christo dévoile une sculpture flottante géante !

L’artiste de 83 ans, Christo, vient de terminer The London Mastaba, une sculpture de 20 mètres de haut composée de 7 506 barils peints et fixés à des échafaudages. Flottant sur le lac Serpentine de Londres, la sculpture temporaire évoque les formes trapézoïdales des tombeaux  traditionnels appelés mastaba. Cette oeuvre est la réalisation du rêve partagé du duo artistique, formé par Christo et sa défunte épouse Jeanne-Claude, de créer une version flottante de la forme qui les a fascinés pendant un demi-siècle. 

© Wolfgang Volz

Certaines de leurs œuvres pionnières se rapprochent du Land art en raison de leur gigantisme, ou plus généralement, de leur réalisation hors des traditionnels sites ; atelier, galerie, musée. Le couple refuse cependant l’appellation « Land Art », précisant que ses interventions ne sont jamais réalisées dans le désert : un argument assez discutable au regard de la diversité des pratiques de ce mouvement artistique qui perdure jusqu’à aujourd’hui. Ils s’intéressent à la structure, à l’usage, à la beauté ou à la dimension symbolique des lieux sur lesquels ils interviennent temporairement.

© Wolfgang Volz

Le Mastaba de Londres a conservé son indépendance vis-à-vis des galeries, des subventions gouvernementales ou des mécènes, puisqu’il a été entièrement autofinancé. Comme pour toutes les installations de Christo et Jeanne Claude, l’argent a été recueilli grâce à la vente d’œuvres d’art originales. Il n’y a pas d’assistants; toutes les pièces sont faites par l’artiste.

© Wolfgang Volz

« J’ai grandi dans un temps terrible en Bulgarie stalinienne, je me suis échappé de là à l’âge de 21 ans pour être artiste, libre, sans retenue« , raconte Christo. « Je ne vais pas donner un millimètre de ma liberté [loin] et endommager mon art« .

« C’est pourquoi je fais les choses que j’aime faire« , a ajouté Christo. « Personne ne fait ces choses, elles sont décidées par nous, personne ne nous a demandé de construire un mastaba, c’est tout le désir irrésistible de faire des œuvres d’art. »

© Wolfgang Volz

Le London Mastaba est la première sculpture à grande échelle de Christo et Jeanne-Claude à être réalisée au Royaume-Uni.

La construction a débuté le 3 avril 2018 par une équipe composée de JK Basel, de Deep Dive Systems et de Coventry Scaffolding, avec l’aide d’ingénieurs de Schlaich Bergermann Partner.

Le polyéthylène à haute densité imbriqué a été utilisé pour créer une plate-forme flottante qui est maintenue en place par 32 ancres pesant chacune 6 tonnes. Les barils sont soutenus par un cadre en acier et un système d’échafaudage. La sculpture entière pèse 600 tonnes et couvre un pour cent de la surface du lac.

© Wolfgang Volz

Aux extrémités des barriques une mosaïque peinte en rouge, bleu et mauve crée un effet de style impressionniste contre l’horizon de Londres et dans le reflet scintillant du lac. Un rouge différent coupé de bandes de blanc a été utilisé pour les faces inclinés de chaque côté. Christo a choisi le jeu de couleurs spécifiquement pour interagir avec le vert et le bleu du parc public et de son lac, et l’horizon de Londres contre son ciel notoirement changeant.

 

© Wolfgang Volz

Le Mastaba de Londres flottera sur le lac Serpentine à Hyde Park – visible gratuitement par le grand public – jusqu’au 23 septembre 2018.

La Société Française des Architectes lance la deuxième édition de son concours d’écriture : le prix Henry Jacques Le Même

La Société Française des Architectes lance la deuxième édition de son concours d’écriture : le prix Henry Jacques Le Même

La Société Française des Architectes lance la deuxième édition de son prix d’écriture « l’architecture à la lettre » qui honore la mémoire d’Henry Jacques Le Même (1897-1997), membre et bienfaiteur de la société.

La première édition a permis de découvrir de jeunes auteurs, architectes pour la plupart. Le jury présidé par Pierre Caye en a distingué trois qui ont, chacun à leur manière, répondu à l’objet du concours. Le premier, Habiter l’escalier de la Tower House nous fait redécouvrir une maison iconique de Tokyo ; Entis croise dans Bruxelles deux monologues, un bâtiment et un passant ; enfin La ligne rouge nous fait parcourir un paysage lointain révélé par l’architecture qui s’y installe. Pour cette nouvelle édition, l’esprit du concours est conservé : un lieu dont le choix est libre (bâtiment/paysage naturel ou construit), un texte éventuellement illustré qui propose, une analyse, la compréhension fine ou la mise en valeur du lieu.

Publics concernés

Ouvert à tous : étudiants, architectes, universitaires, chercheurs et curieux. Nota : Les membres du conseil d’administration de la SFA et les membres de leurs familles ne sont pas éligibles à ce concours.

Documents à remettre

Document de présentation du candidat et de son parcours un A4 au format Pdf

Ecrits au format Pdf : •

  • jusqu’à 25000 caractères (cela s’entend espaces compris, notes non comprises)
  • le document doit être remis en primeur, sans publication antérieure
  • il peut être illustré de photos ou dessins (pas de vidéos)
  • son sujet ne doit pas être une œuvre de l’auteur.

Langue Texte et légendes en langue française

Prix et récompenses

  • 1er prix : 2 500 €, publication dans Le Visiteur, publication dans la rubrique « Prix Le Même » sur le site de la SFA.
  • 2ème prix, 1 000 € , publication dans la rubrique « Prix Le Même » sur le site de la SFA, publication possible dans le bulletin de la Société.
  • 3ème prix, 500 € , publication dans la rubrique « Prix Le Même » sur le site de la SFA, publication possible dans le bulletin de la Société.

Le prix et la récompense afférente peuvent être donnés à titre individuel ou collectif. Le jury se réserve le droit de ne pas remettre de premier prix. La SFA se réserve le droit de diffuser/ exposer tout ou partie des propositions lauréates sans compensations financières supplémentaires.

Composition du jury

Le jury sera composé :

  •  d’un président du jury reconnu pour ses capacités littéraires et son intérêt manifeste pour l’espace construit,
  • du président de la SFA ou de son représentant,
  • du rédacteur en chef de la revue Le Visiteur,
  • de membres de la SFA désignés par le comité d’organisation du Prix,
  • des membres choisis parmi les participants aux colloques ou aux conférences organisés par la Société.

Critères de jugement

  • Pertinence du sujet
  • Qualité de la restitution (écriture, pièces graphiques…)
  • Originalité de la proposition

Calendrier

Appel à candidature : 1er juin 2018

Réception des propositions par mail à contact@sfarchi.org au plus tard le : 22 octobre 2018 à midi. Analyse et jury à suivre

Proclamation des résultats au plus tard le : 21 décembre 2018

Maneki un restaurant bleu électrisant inspiré de la pop culture asiatique

Les designers Rainville-Sangaré et Studio Beau se sont associés pour concevoir le design intérieur et l’identité visuelle du nouveau restaurant Maneki comptoir asiat’ situé dans le quartier montréalais Hochelaga-Maisonneuve.

© Sarah Babineau

Confiée aux mains de Studio Beau, l’identité visuelle fait écho aux classiques asiatiques avec un clin d’œil humoristique. C’est la raison pour laquelle son logo fait référence au maneki-neko, cette statue de chat porte-bonheur. Dans le même esprit, les lieux ont été travaillés pour dégager une ambiance moderne et ludique. L’équipe de Rainville-Sangaré a ainsi misé sur du mobilier sobre, mais solide, des tons de bleu électrique et des formes géométriques pour créer un rythme tout en laissant le plus de place possible à l’interaction.

«Nous avions une carte blanche avec un très petit budget», explique l’équipe de Rainville-Sangaré, qui a géré l’ensemble du design intérieur, y compris l’éclairage et le mobilier. « Ils voulaient quelque chose de jeune et décontracté. »

© Sarah Babineau
© Sarah Babineau

L’entreprise n’a conservé aucun des éléments existants de l’unité, en commençant par l’espace de 57 mètres carrés. Avec Studio Beau, les designers se sont tournés vers la culture pop asiatique pour s’inspirer de l’imagerie et de ses motifs .

© Sarah Babineau

Un luminaire en zigzag bleu fait sur mesure au centre du restaurant, rappelle l’aspect général du mobilier et du décor. Un carrelage métro blanc recouvre partiellement les murs, tandis que des cadres de grille en métal bleu avec des illustrations graphiques, ajoutent au décor une touche d’originalité qui peut être facilement changée.

Bleu électrique est la teinte primaire à l’intérieur de Maneki.  « [La couleur] a été inspirée par les veilleuses des rues asiatiques« , explique Rainville-Sangaré.

© Sarah Babineau

Studio Beau a appliqué la même teinte néon aux contenants à emporter, aux cartes de visite et aux estampes graphiques qu’ils ont créées. Ce dernier présente des personnages célèbres, des plats, des chansons pop et maneki-neko, le félin populaire de la félicité. «Nous avons partagé le même espace de travail tout en travaillant sur le projet, il était donc facile d’avoir des idées de l’autre côté de la table», explique Rainville-Sangaré. « Une partie difficile était le travail de correspondance des couleurs – le bleu devait être en néon, métal, peinture murale et impression. »

© Sarah Babineau

Il y a un an, le duo montréalais Rainville-Sangaré recevait la bourse Phyllis-Lambert avec le projet Compléments de l’architecture, une recherche axée sur la conception de détails architecturaux intégrés au cadre bâti et ayant comme sujet d’étude la ville d’Helsinki. Avec Compléments de l’architecture, l’objectif de Nicholas Sangaré et Lambert Rainville, était de donner vie à une démarche créative inspirée d’une approche de l’architecture intégrée finlandaise mettant en lumière l’importance de la présence de l’apport humain dans la caractérisation de nos villes.

Le Dock Building de Michael Green Architecture : quand la plage est embrassée par la mer …

Le nouveau Dock Building du Royal Vancouver Yacht Club est un exemple d’élégance architecturale industrielle conçue à partir d’un budget modeste. L’équipe de conception de MGA visait à démontrer que tous les projets, des bâtiments industriels en activité aux musées-boutiques, peuvent et doivent être réalisés avec grâce et dignité architecturale.

© Ema Peter

« Fournir un design architectural réfléchi et élégant est toujours possible, peu importe le budget », a déclaré Michael Green, chef de la direction et président de MGA. « C’est ce que nous avons décidé de faire en concevant le Dock Building pour le Royal Vancouver Yacht Club. »

© Ema Peter

Le Dock Building, situé sur la plage de Jericho à Vancouver, en Colombie-Britannique, dessert une grande marina de voiliers. L’établissement fournit des toilettes et des douches, des bureaux pour le capitaine de port, un espace d’instruction pour les enfants et une variété d’ateliers pour entretenir les bateaux, les voiles et l’équipement. Les besoins des usagers de ce projet, un budget très modeste et un emplacement de choix exigeaient une solution simple qui honorait le patrimoine industriel des bâtiments riverains qui se trouvaient autrefois sur le site un demi-siècle auparavant.

© Ema Peter
© Ema Peter

La volumétrie est simple : deux volumes se croisant et se reflètent l’un l’autre pour créer une lanterne à la mer et une lanterne à la terre. Face à la terre, un mur de glulam et de polycarbonate translucide qui apporte de la lumière dans les espaces d’atelier et brille le long de la plage la nuit. Face à la mer et au port de plaisance, une série de portes de garage ouvrant sur les baies et des bureaux vitrés pour la gestion des quais. Un écran de bois au-dessus des bureaux cache les systèmes mécaniques dans le volume élevé de la cale qui fait face à l’eau. Une gouttière à pointe de couteau fournit un porte-à-faux pour les portes de la boutique imitant les formes de bord de rasoir des voiliers de course qui bordent le quai.

© Ema Peter
© Ema Peter
© Ema Peter

Le bâtiment réside sur le bord de l’eau juste à l’endroit où la marée haute rencontre la plage. Près de la moitié du budget du projet est allée à la fondation, laissant à l’équipe de conception le défi de répondre aux besoins fonctionnels du projet tout en offrant quelque chose de plus significatif à la communauté.

© Ema Peter
© Ema Peter
© Ema Peter

Le Dock Building illustre ce qu’une équipe créative, un client ambitieux et une grande vision peuvent produire.

À propos de MGA | MICHAEL GREEN ARCHITECTURE 

MGA est une société d’architecture de taille moyenne reconnue dans le monde entier pour la création de projets attrayants, durables et innovants. Basée à Vancouver au Canada, MGA a été fondée par Michael Green, un expert de premier plan dans l’innovation en matière de construction de grands bâtiments et dans les approches de construction urbaine neutres en carbone. Il a produit des publications révolutionnaires et a prononcé le discours de 2013 TED, pourquoi nous devrions construire des gratte-ciel en bois . MGA a reçu de nombreux honneurs dont trois Médailles du Gouverneur général en architecture, la plus haute distinction accordée aux projets architecturaux au Canada.

UNStudio conçoit le téléphérique d’IJbaan: une connexion de transport public rapide, écologique et évolutive à Amsterdam

UNStudio conçoit le téléphérique d’IJbaan: une connexion de transport public rapide, écologique et évolutive à Amsterdam

UNStudio a achevé la conception de l’IJbaan: le futur téléphérique d’Amsterdam, commandé par la Fondation IJbaan (Stichting IJbaan). L’IJbaan est une initiative citoyenne «Amsterdammer» populaire, lancée en 2015 par une campagne de crowdfunding menée par Bas Dekker et Willem Wessels et maintenant soutenue par la municipalité d’Amsterdam. Son objectif est de créer une nouvelle connexion à travers l’IJ à l’occasion du 750e anniversaire d’Amsterdam en 2025.

La ligne de tramway d’un kilomètre et demi est une liaison de transport public propre et rapide entre deux zones résidentielles en pleine expansion: Amsterdam-Ouest et Amsterdam-Noord / NDSM. La conception se compose de trois pylônes élancés et deux stations: NDSM Marina sur la rive nord et Minervahaven au sud. Le téléphérique est conçu de manière flexible, de sorte qu’à l’avenir, l’itinéraire peut être élargi pour inclure une troisième station, créant ainsi une connexion avec Hemknoop, Sloterdijk Station ou même Westergasfabriek et Westerpark, en fonction de la croissance et des besoins.

Mobilité unique

La voie du téléphérique s’étend sur un kilomètre et demi et prendra 4,6 minutes pour effectuer un trajet complet à une vitesse moyenne de 21,6 kilomètres par heure. Les cabines de passagers ont une capacité de 32 à 37 passagers, avec des cabines de bicyclettes supplémentaires pouvant accueillir de 4 à 6 vélos.

« Un téléphérique est un système de transport public extrêmement durable. C’est un moyen de transport très rapide et écologique, qui attire les cyclistes, les navetteurs, les étudiants, les résidents et les visiteurs. A Amsterdam, vous constatez un besoin croissant de connexions à travers le JI, avec le nouveau métro et les nouveaux ponts. La ville se développe énormément et un tel «pont aérien» contribue au développement de toute la région. Le transport aérien réduit également la pression croissante sur la circulation et le réseau de transport existant au sol. Ce n’est pas seulement efficace mais aussi amusant. Les gens vont voir et vivre leur ville d’une toute nouvelle manière « , déclare  Ben van Berkel.

Mâts sculpturaux

Pour permettre aux grands navires de passer le long de la voie navigable IJ, les tours varient en hauteur, atteignant 46 mètres à 105 mètres de chaque côté de l’eau, et jusqu’à 136 mètres au milieu. Cependant, les tours sont entièrement conformes aux exigences du patrimoine mondial de l’UNESCO de la capitale néerlandaise. Tout en enrichissant la ligne d’horizon d’Amsterdam, les mâts ne sont pas visibles depuis le célèbre canal du centre-ville d’Amsterdam.

Les trois tours élancées du téléphérique permettront à la zone urbaine dense d’Amsterdam de se développer, tout en respectant le passé de la ville. La forme des tours elles-mêmes fait directement référence au passé industriel robuste d’Amsterdam des ports et des grues de navire. Leur forme sculpturale pataugeant dans l’eau s’efforce d’équilibrer le jeu avec élégance.

Les carrefours sociaux
Les gares de téléphérique ne sont pas seulement conçues comme des carrefours de transport pour les piétons, les cyclistes et les transports en commun, mais aussi comme une destionation en soi. Le Minervastation est conçu comme un nouveau lieu de rencontre pour le quartier occidental en pleine croissance, créant une place urbaine dynamique sur l’eau avec des installations de restauration et de bar. La station marine de NDSM sur la rive opposée fournit un hub de transport pour le hotspot culturel naissant dans le nord, avec un arrêt d’autobus, un stationnement de bicyclette et un point de vue.

Le téléphérique, en tant que moyen de transport, s’inscrit dans la mission d’UNStudio de développer des concepts d’architecture et de design urbain à l’épreuve du futur, rendant le cadre de vie plus sain. La piste s’inscrit également dans l’ambition d’Amsterdam d’être l’exemple européen de l’innovation urbaine, avec un système de transport public «tout électrique» durable, parfaitement lié aux modalités de transport public existantes.

« On s’attend à ce que cette liaison rapide et fréquente entre l’Ouest et le Nord n’ait pas un trafic régulier, mais aura également un effet positif sur le trafic cycliste car elle relie les réseaux existants des deux côtés de l’IJ. ajout intéressant à la ville et la vue du port, contribuant à la propagation du tourisme dans la ville.  » 
Bas Dekker,

Göteborg Cable Car

En tant que concepteur du pont Erasmus à Rotterdam, UNStudio a pour tradition de construire des ponts et de relier les communautés à l’eau. Plus tôt cette année, notre design pour le téléphérique de Göteborg a été choisi comme design gagnant pour célébrer le 400ème anniversaire de la ville. Le nouveau concept de téléphérique comprend une connexion de trois kilomètres entre le centre historique de Göteborg et les nouveaux quartiers de la ville situés de l’autre côté de la rivière. L’achèvement du projet avec six tours et quatre stations est prévu pour 2021. 

S’il te plait : l’architecture est une formule de politesse !

Archicrée est parti à la rencontre de S’il te plait, un groupe de jeunes architectes talentueux composé de Pierre-Loup Pivoin, Mathilde Redouté, Lilit Sarkisian, Bernard Touzet, Louis-Thomas Coupier, Thomas Enée, Théophile Péju, Nina Pestel, Raphaël Saillard et Lucas Stein. Par le travail des formes, des couleurs, de l’espace et des différents sens, ils oeuvrent à apporter une touche d’onirisme dans leurs projets. A chaque nouveau défi, ils essaient de coupler une démarche lyrique puissante en lien intime avec une recherche matérielle et structurelle. Cette invitation au rêve c’est déjà concrétisée sous des formes riches et diverses, par le biais d’expositions, de performances artistiques: Paris Design Week, Archiculture, Shyriaevo Biennale… De conceptions de bars et de restaurants ou de propositions pour des logiques urbaines innovantes inclusives: Wagon Mouche, Paris Périphérique, Parking Archeology…

Pourriez vous nous présenter S’il te plait ? Pourquoi ce nom ?

Lilit Sarkisian : Nous avons créé S’il te plait en 2015, nous étions encore étudiants à l’école d’architecture de Nantes. Nous pensions l’architecture de la même manière et nous faisions souvent des projets ensemble. Nous nous avons eu l’idée de lancer un collectif pour participer à des concours. Pour le nom nous voulions quelque chose qui ne laisse pas indifférent et qui suscite la curiosité des gens.

Bernard Touzet : Avec ce nom il y avait aussi une dimension internationale en assumant un côté « french touch ». Souvent les noms d’agence ce composent de 3 lettres et l’idée de départ était de transformer S’il te plaît en STP mais au final on ne le fera surement jamais.

Pierre-Loup Pivoin : Pour nous S’il te plait ça signifie aussi que l’architecture est une formule de politesse

Comment définiriez-vous l’approche du collectif ?

Mathilde Redouté : Nous sommes plus un groupe de pensée qu’un collectif, qui est un terme assez réducteur en soi. Nous essayons de repenser les choses à chaque fois. Nous nous questionnons principalement sur ce qui entoure le projet. Pour nous la question revient à voir la ville différemment que ce soit Paris ou n’importe quelle autre ville.

B : Je pense que le mot collectif n’est pas forcément réducteur. Nous n’étions pas intéressés d’avoir une approche collective globale dans le sens où tout le monde pense de manière assez figée. L’idée était plutôt d’un groupe avec des membres comme un accélérateur de projets. L’architecture ne se fait pas seule, c’est un travail qui se fait à plusieurs et c’est très difficile de trouver des gens avec qui travailler. Avec un petit groupe cela permet d’avoir un noyau dur. Nous défendons vraiment l’idée d’une pratique collective qui ne soit jamais une pensée unique avec un leader.

PL : L’idée, comme dit Bernard, c’est de mettre en place un accélérateur de projets avec un groupe composé de personnes qui à la base s’entendent bien entre elles et qui peuvent avoir un dialogue autour de sujets d’architecture qui les intéressent. Il peut, par exemple, y avoir une commande pour un concours que l’un d’entre nous propose au groupe et les intéressés formeront une équipe de 2 à 5 personnes. L’important est d’avoir toujours des membres pour répondre à une commande qui nous intéresse.

Le petit Comité

Pour vous quels sont les enjeux du métier ?

M :  Je pense que dans le métier il y a une différence entre la pensée et la pratique. Ces deux parties sont désormais autonomes. Avant l’architecte devait tout savoir faire alors qu’aujourd’hui il est possible de sectionner ces parties.

B : L’architecture d’aujourd’hui est cantonnée dans des domaines très spécifiques à des questions très réduites liées par exemple à la façade d’un bâtiment. L’enjeu de demain serait de venir étendre ces domaines de réflexion et apporter de l’architecture dans tous les domaines de la société aussi bien dans la communication, le design, les arts, le graphisme, mais également à une échelle urbaine ou financière. C’est dans ces domaines vastes que le futur de la pratique architecturale a un rôle à jouer.

L : Personnellement, je pense que l’architecte est un généraliste. Il apporte le savoir-faire dans des domaines différents comme l’administration, la gestion, l’économie. Nous n’apprenons pas cet aspect du métier dans les écoles d’architecture.  Il faudrait expliquer aux jeunes étudiants en architecture que le métier d’architecte n’est pas seulement poétique. Il y a énormément de phases à maîtriser et chacune d’elles est importante. On est réellement architecte à partir du moment où l’on est capable de mener un projet de A à Z.

PL : Être architecte n’est pas forcément quelque chose de matériel, cela nécessite une première réflexion c’est-à- dire que si on limite l’architecte à la simple tâche de conception de façade, de gestion d’interface il va être limité et même dépassé par des machines qui aujourd’hui sont des outils pour nous  et qui pourraient rendre l’architecte obsolète. Son vrai rôle est d’être dans l’innovation et la réflexion. Notre groupe est composé d’architectes mais nous avons des contacts dans plusieurs domaines.  Par exemple pour Le Festival des architectures vives il était important de diffuser des odeurs qui rappellent notre projet. Nous avions un « nez » dans nos contacts qui a créé un parfum spécialement pour notre oeuvre. Pour nous c’est vraiment important de s’avoir s’entourer de personnes avec qui collaborer.

FAV Montpellier : Forme sauvage
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FAV Montpellier : Forme sauvage
FAV Montpellier : Forme sauvage

et le BIM ?

L : Pour moi le BIM n’est pas de l’innovation ! On commençait déjà à y penser depuis 20 ou 30 ans. Je ne suis pas contre le BIM mais ce n’est qu’un outil ou ne fait pas d’architecture avec le BIM. Il facilite les choses mais il ne reste qu’un outil et je trouve qu’aujourd’hui il est dommage de penser que l’architecture de demain sera créée par le BIM.

B : Derrière la question du BIM se pose la question des données en architecture. Qui capte les données des maquettes BIM, qui les gère et les administre, qui a la responsabilité de l’erreur ? De nouveaux métiers comme les BIM managers sont créés en interne des grosses agences. Pour notre génération c’est très important de savoir faire du BIM car c’est devenu un moyen d’être recruté plus facilement. Je trouve que les nouveaux outils et la technologie font évoluer le métier grâce notamment à de nouveaux matériaux ou de nouvelles façons de construire. C’est un métier très technologique. C’est par les technologies que l’on trouve l’innovation et que l’on construit à des échelles délirantes. Les nouvelles technologies amènent de nouveaux programmes architecturaux et urbains. La course technologique se fait dans tous les sens et l’architecte doit être dans cette course !

Lauréats de l’édition 2017 de l’accélérateur de projets urbains et architecturaux FAIRE Paris, parlez nous de votre projet « wagon-mouche ».

PL : Nous sommes partis du constat que la ligne 6 est l’une des plus vieilles lignes de métro de Paris avec un charme particulier et une grande partie en extérieur proposant des vues sur Paris assez intéressantes notamment avec des lieux symboliques de la ville. Même les parties souterraines passent dans des quartier relativement intéressants. Nous nous sommes rendus compte qu’il s’agissait d’un excellent moyen de visiter Paris pour un touriste en prenant la ligne 6 d’un bout à l’autre de la ville, pour y découvrir les monuments essentiels à travers ce parcours. Nous avons donc pensé à transformer l’un des wagons de cette ligne afin de l’adapter au tourisme sur l’idée des bâteaux mouches qui remontent la Seine et ainsi en faire un « wagon-mouche ». Le projet serait accompagné, en extérieur, de renseignements sur les édifices croisés et, en souterrain, de projections sur les parois des tunnels pour montrer ce qu’il se passait en surface, comment le métro s’est construit… Un moyen de valoriser également la communication de la RATP.

B : Il y avait aussi une dimension patrimoniale puisque la ligne 6 est en train de changer ses métros pour les prochains Jeux Olympiques. Nous imaginions que le dernier métro qui resterait serait le « wagon-mouche ». Ce dernier métro conservé deviendrait ainsi un support touristique. Aujourd’hui, ce projet a été confronté à la RATP qui est une très grosse structure. Pour mettre en route ce genre de projet, les démarches sont assez complexes. Il y a également la question du devenir des autres anciens wagons et c’est là où les architectes doivent proposer des solutions pour les transformer au travers de programmes avec une dimension sociale.

FAIRE PARIS : Wagon – mouche
FAIRE PARIS : Wagon – mouche
FAIRE PARIS : Wagon – mouche
FAIRE PARIS : Wagon – mouche
FAIRE PARIS : Wagon – mouche
FAIRE PARIS : Wagon – mouche
FAIRE PARIS : Wagon – mouche

Une de vos dernière proposition en date, l’installation artistique pour le festival « We Love Green », quelques mots sur le concept de ce projet ?

PL : Nous nous étions déjà intéressés à ce festival il y a deux ans. Cette année c’était la première fois que le festival proposait de créer l’emblème de l’évènement, un pavillon qui serait le totem des deux jours de concert et qui serait renouvelé tous les ans. Notre idée était de créer une sorte de grand chaos formé de parasols fixés sur une structure métallique permettant de créer un espace plus ou moins ouvert pour venir se reposer, s’isoler. Dans la démarche du festival, il était important que le pavillon soit totalement démontable et réalisé à partir de matériaux qui puissent être réutilisés. La structure complète du projet a été pensée en tube et en éléments d’échafaudage, avec des parasols qui viendraient se glisser dedans. A la fin du festival, les parasols pouvaient être donnés à des associations ou recyclés pour l’année suivante. Nous remercions aussi l’ingénieur Jun Sato, qui a travaillé bénévolement avec nous dans le but de crédibiliser ce projet aux yeux des organisateurs du festival grâce à des détails techniques d’assemblage de la structure.

We Love Green
We Love Green
We Love Green
We Love Green
We Love Green
We Love Green
We Love Green
We Love Green
We Love Green

Quelle suite pour le collectif ? 

M : Nous échangeons beaucoup entre nous et c’est ce qui est vraiment intéressant. C’est aussi une façon de s’épauler et d’être dans une démarche de réflexion constante.

PL : Nous avons commencé tôt bien avant d’obtenir notre diplôme ou notre HMO. Nous avons compris assez rapidement que nous voulions expérimenter des choses, nous voulions nous confronter à des projets sans être spécialement encadrés par un professeur ou une agence. Nos projets commencent à se concrétiser à de petites échelles avec par exemple notre installation pour le Festival des architectures Vives de Montpellier l’an passé ou encore l’aménagement du bar parisien Le Petit Comité. Nous travaillons actuellement sur un bar restaurant dans le 18ème arrondissement. Petit à petit les projets deviennent plus gros et se concrétisent. Parallèlement, nous travaillons sur des concours. Nous créons nos propres expériences et nos propres références. Nous ne comptons pas nous arrêter là quoi qu’il arrive !

Comment suivre vos travaux ?

M : Un des médias qui nous intéresse beaucoup pour communiquer notre architecture c’est le média Instagram que nous avons choisi de développer. Cela nous permet de toucher plus de personnes et de partager ce que l’on fait mais aussi de suivre l’actualité. C’est vraiment un nouveau mode de relation. Le projet doit être publié sur Instagram et peut aussi être pris en photo pour être publié par la suite. C’est à la fois la façon de le faire mais aussi de le représenter qui entrent en jeu avec ce média. C’est une dimension qui va être de plus en plus prise en compte pour la communication du projet mais aussi dans son impact au quotidien.

B : C’est un média grand public et en même temps on retrouve dans le projet une dimension Instagram. La représentation fait partie du projet pour le rendre publiable. Il faut qu’il puisse être résumé en une seule photo Instagram et c’est d’une certaine manière un véritable défi ! Nous pensons aussi nos projets en termes d’interactions sociales.

Pour suivre le groupe sur Instagram : @silteplait // contact : silteplait.archi@gmail.com

Propos recueillis par Mélissa Pizovic

Diller Scofidio + Renfro et Woods Bagot remportent le concours Star-Studded pour le musée d’art contemporain d’Adélaïde

Arts South Australia – agence du gouvernement de l’État chargée de soutenir le travail des artistes sud-australiens, la promotion nationale et internationale de l’art sud-australien et le soin apporté aux collections de l’État et aux bâtiments et biens qui les abritent – et les organisateurs de la compétition Malcolm Reading Consultants ont annoncé que l’équipe dirigée par Diller Scofidio + Renfro en collaboration avec l’agence locale Woods Bagot a remporté le concours international de design pour imaginer le futur centre d’art contemporain d’Adelaïde en Australie, situé sur les terres traditionnelles du peuple Kaurna. 

Le concept de l’équipe gagnante se définit par la création d’un nouveau lieu dynamique composée d’une galerie habilement organisée, d’un laboratoire de performance, d’un spectaculaire «Super Lobby», de galeries aériennes flottantes au dernier étage et d’un jardin suspendu sur le toit. Le jardin s’inscrit comme un paysage sud-australien pré-colonisé implanté à la cime du projet, reliant l’idée de l’histoire écologique et culturelle contemporaine à Kaurna.

Le bâtiment a été décrit par l’équipe comme une douce balise charismatique sur North Terrace qui refléterait le ciel le jour et, la nuit, rayonnerait de galeries – permettant aux visiteurs d’apercevoir la collection d’art lorsqu’ils passeraient le bâtiment en dehors des heures d’ouverture officielles et, dans ce sens, «rendre l’art à la ville».

Le jury international de neuf membres, présidé par Michael Lynch AO CBE, a trouvé que le design conceptuel était en accord avec Adélaïde et sa célèbre culture de festival, promettant de créer un spectacle et d’attirer de nouveaux publics avec des espaces dynamiques et polyvalents.

La décision fait suite à une recherche globale de sept mois pour concevoir une nouvelle destination culturelle sur une partie de l’ancien site Royal Adelaide Hospital (oRAH). Le concours a attiré des soumissions de 107 équipes composées d’environ 525 entreprises individuelles des cinq continents.

La nouvelle galerie et le parc public de sculptures sont considérés comme l’une des plus importantes initiatives artistiques de l’Australie au cours du XXIe siècle. Ils constituent un point focal national pour l’art et les cultures des aborigènes et des insulaires du détroit de Torres.

« Le concept de l’équipe gagnante répond à cette opportunité unique de construire un bâtiment emblématique au cœur de la ville, en bordure du Jardin Botanique. Dans une ville célèbre pour ses festivals, le design crée un nouveau lieu qui embrasse l’art sous toutes ses formes et qui attire un large public, local et international. La conception met en avant les collections exceptionnelles de l’Australie du Sud et profite de l’élan des succès récents de l’Art Gallery of South Australia pour célébrer l’art et la culture des aborigènes et des insulaires du détroit de Torres. Le jury a été impressionné par la compréhension assurée de l’équipe gagnante quant à l’avenir de l’art, de la performance et de la programmation du XXIe siècle, ainsi que par son flair pour la création de lieux. L’équipe gagnante a eu un aperçu inspiré de concevoir le bâtiment en descendant le long de la topographie du site et de créer ainsi une véritable connexion au site et au pays, respectueux du peuple Kaurna et en intégrant le jardin botanique dans le design. » a déclaré Michael Lynch.

« La compétition était centrée sur la guérison du domaine civique d’Adélaïde: l’ancien hôpital a créé une déconnexion physique entre le boulevard culturel et les jardins botaniques – quel meilleur moyen de connecter les deux qu’en utilisant l’art ? Le système gagnant (…) a le potentiel de parler aux nouvelles générations qui développent leur propre identité culturelle, et offre un nouveau centre d’intérêt pour la ville, ce dont elle a grandement besoin alors qu’Adélaïde continue de grandir et de s’épanouir. » a ajouté Malcolm Reading, directeur de la compétition.