Shoreline Hotel Waikiki, un coucher de soleil sans fin

Dites Aloha au Shoreline Hotel Waikiki un nouvel hôtel situé sur l’île hawaïenne d’Oahu. L’établissement conçu par Dan Mazzarini de BHDM Design  se démarque de ses voisins pour son expérience « nature meets neon » avec un design inspiré d’un coucher de soleil sans fin.

Explosion de néons et de nature, cet hôtel de charme de 135 chambres reprend le concept du design local avec des inspirations hawaïennes et le transforme en une interprétation aussi moderne qu’authentique.

A leur arrivée, les clients sont invités à s’enregistrer dans un hall en plein air avant de traverser des couloirs fluorescents et changeants de couleurs ainsi que des cages d’escaliers recouvertes de papier peint aux motifs tropicaux pour rejoindre leur chambre.

Une fois à l’intérieur de leur chambre, les clients sont accueillis avec une carte topographique personnalisée d’Hawaï. Chaque chambre est équipée de mobilier fait sur mesure par BluDot et Missana, de couleurs vives et de formes géométriques rappelant le mouvement de design de Memphis.

Au premier étage, un salon à double hauteur dispose d’un mur en styrène blanc personnalisé et de lumières multicolores, d’une installation suspendue en forme de cage en rotin qui abrite des sculptures en papier représentant des oiseaux natifs d’Hawaï .

La nuit, le salon est éclairé par des néons recréant l’ambiance d’un coucher de soleil rougeoyant.

Lors des baignades dans la piscine logée sur le toit de l’hôtel, une fresque tropicale du paysage d’Hawaï peinte par l’artiste californien DJ Neff prend place comme toile de fond.

Photos par Adam Kane Macchia.

Céline voit la vie en bleu à Miami

Céline voit la vie en bleu à Miami

Du marbre bleu et des formes pyramidales, tel est le fruit du design imaginé par l’artiste suisse Valerio Olgiati mandaté par la célèbre marque de luxe Céline pour concevoir l’intérieur de sa boutique à Miami.

Avec deux points de vente à New York et à Beverly Hills, Céline s’installe désormais à Miami, dans le Design District, le magasin étendu sur deux étages rejoint ainsi les autres grands noms de la haute couture déjà présents dans ce quartier très branché de la ville tels que Gucci , Tom Ford et Louis Vuitton.

Pour la réalisation de ce troisième magasin outre-Atlantique, la marque de mode a confié la conception d’un espace pouvant accueillir entièrement ses collections de prêt-à-porter et d’accessoires à Valerio Olgiati.

Le studio de design a ainsi décidé de décorer la façade, les murs et les sols du magasin en marbre brésilien Pinta Verde pour apporter une ambiance originale dans des tons pastels. Un lieu propice à la rêverie et à la légèreté.

Inspirés par la patine bleu-vert unique du matériau, ils ont voulu créer un «lieu où l’on peut imaginer un univers interne».

Les architectes ont décidé de découper des parties du plafond du sous-sol pour y insérer deux volumes pyramidaux permettant d’accéder au rez-de-chaussée de la boutique.

Des dalles épaisses en marbre ont été utilisées comme présentoirs pour les chaussures et les sacs à main.  Les vêtements sont, quant-à eux, suspendus à de simples balustrades en laiton brossé. Des détails de texture supplémentaires sont ajoutés par des tapis et des coussins gris semblables à du suède.

Photographies de Mikael Olsson

 

Le Balcon : un espace lounge prêt à s’envoler signé Mathieu Lehanneur

Pour certains, le début des vacances commence à l’atterrissage, pour d’autres il débute dès l’arrivée à l’aéroport au Balcon, le nouvel espace exclusif du salon business d’Air France à l’aéroport Paris-Charles de Gaulle du Terminal 2E. Imaginé par le designer Mathieu Lehanneur, Le Balcon est un endroit de détente à l’écart de l’agitation de l’aéroport. Un répit architectural aux lignes élégantes et sophistiquées tout en légèreté.

« Les balcons représentent l’essence de l’art de vivre à la française, de l’époque des rois à aujourd’hui, de l’opéra à Roland-Garros. », explique Mathieu Lehanneur

La structure incurvée dispose d’un plafond en miroir d’or reflétant le mouvement des voyageurs de passage tandis que les projections de verre offrent un aperçu des avions sur la piste.

« Dès le début, le projet est né autour de l’idée d’alcôves, de créer des loges », explique Mathieu Lehanneur, désireux d’offrir aux voyageurs « des espaces de semi-intimité où des liens se tissent ».

Un bar central est entouré d’une série de banquettes circulaires se déroulant comme un ruban de velours sous un plafond de miroirs dorés. Cernées de bois clair, elles encadrent un espace ovoïde et chargé de références à l’architecture parisienne comme à la carrière du designer. Sur le parquet, un grand écran LED dépeint une image du ciel qui change constamment tout au long de la journée, imitant le ciel extérieur en temps réel. Le Balcon a été conçu de manière à ce que les usagers commencent leur voyage sur une note détendue. Une ambiance apaisante rendue possible grâce à des associations de matériaux tout en harmonie avec notamment le mélange du bois, du marbre, du verre et de la lumière,.

Selon le concepteur du lieu, « Voler consiste à rester immobile dans un monde en mouvement. C’est sentir les villes et les nuages ​​glisser sous ses pieds. Je voulais que cet espace fonctionne de la même manière – au Balcon, on contemple en silence les mouvements incessants du ciel et des gens.« 

Ritz & Ghougassian : ambiance terracotta pour le design intérieur du café Bentwood

Bentwood est situé dans l’ancien showroom Thonet au 237 Napier Street, dans la banlieue de Fitzroy, une zone de Melbourne bien connue pour sa sélection éclectique de restaurants et de bars. Imaginé par l’agence australienne Ritz & Ghougassian, le projet rend hommage au patrimoine industriel brutaliste de Fitzroy à travers l’utilisation d’un revêtement mural en acier et d’un plafond dans des teintes terracotta. La façade usée du café, recouverte de briques rouges, marque le point de référence pour la conception du design intérieur du lieu.

© Tom Blachford

Au cours du siècle dernier, le bâtiment avait tout d’abord accueilli les fabricants de meubles en bois CF Rojo & Sons, avant de devenir un showroom de la marque allemande Thonet pour finalement être transformé en un café unique.

© Tom Blachford

Les architectes ont ainsi décidé d’intégrer la palette de couleurs et de matériaux de l’extérieur du bâtiment dans le décor de ses espaces intérieurs.

© Tom Blachford
© Tom Blachford

« Il ne restait pas grand-chose d’autre que la façade en brique rouge d’origine, mais je pense que l’essentiel de son passé est toujours là« , déclare Jean-Paul Ghougassian.

© Tom Blachford

L’un des murs du café a été recouvert de panneaux d’acier roux, dont certains sont perforés pour apercevoir la cuisine. D’autres plaques d’acier toujours dans les mêmes teintes ont ensuite été utilisées pour former un plafond en treillis, destinées à créer «des poches de lumière et d’ombre, de volume et d’intimité».

© Tom Blachford

Pour obtenir ce plafond tout en légèreté Ghougassian explique le processus laborieux de cet élément principal du projet.  «Une combinaison de prototypage et de travail en étroite collaboration avec les ingénieurs et notre entrepreneur pour créer un plafond sans effort, apparemment flottant».

© Tom Blachford

Alors que la plupart des murs de briques ont été laissés dans leur état original, quelques colonnes en béton au diamètre assez imposant ont été insérées comme un subtil clin d’œil visuel au patrimoine industriel de Fitzroy.

© Tom Blachford

Des chaises, des tables et des étagères en bois massif apparaissent également dans tout le café en référence aux anciens occupants du bâtiment. Des coussins en cuir couleur argile ont été utilisés pour habiller les banquettes.

Maneki un restaurant bleu électrisant inspiré de la pop culture asiatique

Les designers Rainville-Sangaré et Studio Beau se sont associés pour concevoir le design intérieur et l’identité visuelle du nouveau restaurant Maneki comptoir asiat’ situé dans le quartier montréalais Hochelaga-Maisonneuve.

© Sarah Babineau

Confiée aux mains de Studio Beau, l’identité visuelle fait écho aux classiques asiatiques avec un clin d’œil humoristique. C’est la raison pour laquelle son logo fait référence au maneki-neko, cette statue de chat porte-bonheur. Dans le même esprit, les lieux ont été travaillés pour dégager une ambiance moderne et ludique. L’équipe de Rainville-Sangaré a ainsi misé sur du mobilier sobre, mais solide, des tons de bleu électrique et des formes géométriques pour créer un rythme tout en laissant le plus de place possible à l’interaction.

«Nous avions une carte blanche avec un très petit budget», explique l’équipe de Rainville-Sangaré, qui a géré l’ensemble du design intérieur, y compris l’éclairage et le mobilier. « Ils voulaient quelque chose de jeune et décontracté. »

© Sarah Babineau
© Sarah Babineau

L’entreprise n’a conservé aucun des éléments existants de l’unité, en commençant par l’espace de 57 mètres carrés. Avec Studio Beau, les designers se sont tournés vers la culture pop asiatique pour s’inspirer de l’imagerie et de ses motifs .

© Sarah Babineau

Un luminaire en zigzag bleu fait sur mesure au centre du restaurant, rappelle l’aspect général du mobilier et du décor. Un carrelage métro blanc recouvre partiellement les murs, tandis que des cadres de grille en métal bleu avec des illustrations graphiques, ajoutent au décor une touche d’originalité qui peut être facilement changée.

Bleu électrique est la teinte primaire à l’intérieur de Maneki.  « [La couleur] a été inspirée par les veilleuses des rues asiatiques« , explique Rainville-Sangaré.

© Sarah Babineau

Studio Beau a appliqué la même teinte néon aux contenants à emporter, aux cartes de visite et aux estampes graphiques qu’ils ont créées. Ce dernier présente des personnages célèbres, des plats, des chansons pop et maneki-neko, le félin populaire de la félicité. «Nous avons partagé le même espace de travail tout en travaillant sur le projet, il était donc facile d’avoir des idées de l’autre côté de la table», explique Rainville-Sangaré. « Une partie difficile était le travail de correspondance des couleurs – le bleu devait être en néon, métal, peinture murale et impression. »

© Sarah Babineau

Il y a un an, le duo montréalais Rainville-Sangaré recevait la bourse Phyllis-Lambert avec le projet Compléments de l’architecture, une recherche axée sur la conception de détails architecturaux intégrés au cadre bâti et ayant comme sujet d’étude la ville d’Helsinki. Avec Compléments de l’architecture, l’objectif de Nicholas Sangaré et Lambert Rainville, était de donner vie à une démarche créative inspirée d’une approche de l’architecture intégrée finlandaise mettant en lumière l’importance de la présence de l’apport humain dans la caractérisation de nos villes.

Park House Food Merchants : un loft rétro scandinave où se mêlent art et restauration

Le studio de design Alexander & CO signe le Park House Food Merchants : un restaurant de 200 places situé dans l’hôtel récemment rénové de Mona Vale, près de Sydney. Conçu comme un entrepôt d’art de style loft, le restaurant, entre le rétro des années 70 et le modernisme scandinave, s’inscrit comme une insertion expressive et artistique dans la coquille délabrée de l’ancien motel.

© Felix Forest
© Felix Forest
© Felix Forest
© Felix Forest

Le loft restaurant est à la fois robuste et organisé, bien équipé pour répondre à la circulation dense et à la situation côtière. Il accueille des salles à manger internes à double hauteur, une cour extérieure avec toits rétractables et plusieurs salles à manger privées, une cuisine ouverte, un bar à cocktails interne, un bar extérieur principal, de grandes cheminées intérieures et extérieures ouvertes et des structures extérieures en bois et acier.

© Felix Forest

Le projet explore diverses formes de maçonnerie combinées avec une gamme d’éclairage spécifique, d’ameublement et d’œuvres d’art. La structure existante en acier et en bois a volontairement été mise en avant afin de créer un volume à double histoire à la fois intérieurement et extérieurement sous le toit rétractable.

© Felix Forest
© Felix Forest
© Felix Forest
© Felix Forest

Le restaurant interne est construit autour d’une cuisine ouverte avec des arches en briques recyclées. Les planchers en béton poli sont remplacés à chaque instant par des carreaux de mosaïque Carrara en forme d’éventail, des motifs de couleur personnalisée et des carreaux de dalles en pierre. Un bar à hauteur de salle à manger avec granit rétro joue un centre de table tandis que les détails Art déco à une cheminée interne en brique crée des niches et des recoins pour salle à manger.

© Felix Forest
© Felix Forest

À l’extérieur, une cheminée double face et un foyer ancrent les zones de détente, le tout sous un toit rétractable et des lumières suspendues qui éclairent cette cour à double hauteur. A travers ce projet, rien ne serait une doublure, tout serait un substrat. Il n’y a pas de lattes fendues, pas de MDF, rien au-delà des matériaux de construction de base et rien qui finirait par être baratté et finirait dans une poubelle. Le travail du lieu est dans sa planification et la gestion des volumes. Très rarement, une occasion se présente où l’élément d’aménagement est presque supprimé à la place des œuvres d’art et des meubles. C’est un exemple d’entreprise où les déchets, les barattes et les matériaux sont tous réduits ou éliminés.

© Felix Forest
© Felix Forest

C’était un projet de réutilisation adaptative d’une structure de motel fortement délabrée. Sur plusieurs milliers de mètres carrés de terrain. Ce lieu représente l’une des six étapes de travail réalisées ou achevées sur le site dans le cadre d’un projet de porte d’entrée à la grande circonscription de Mona Vale. Avec cette volonté de réintroduire la communauté dans le bassin versant, le projet d’Alexander & CO permet d’accueillir une clientèle plus large de la commune et a vocation à développer son rôle social.

© Felix Forest
© Felix Forest

À propos d’Alexander & CO.

Alexander & CO est une agence de design multidisciplinaire avec une portée mondiale. Leurs capacités couvrent un large éventail de secteurs typologiques où ils travaillent dans toutes les facettes de la conception spatiale. Leur base de compétences techniques comprend l’architecture, la conception d’intérieur et la gestion de projet.

Rainville Sangaré redonne un second souffle à l’unité 622 du complexe brutaliste montréalais Habitat 67

Le studio de design montréalais Rainville Sangaré a été engagé par un couple pour rénover l’unité 622 du complexe d’habitation des années 1960 : le célèbre Habitat 67 de Moshe Safdie. La conception de l’architecte israélo-canadien est considérée comme un exemple d’architecture brutaliste avec ses 158 logements dans 354 «boîtes» en béton préfabriquées empilées.

©Maxime Brouillet

L’Unité 622 rénovée est composée de deux de ces blocs disposés perpendiculairement l’un à l’autre, ressemblant à la forme d’un T en plan. L’une des ailes comprend un salon, une cuisine et une salle à manger décloisonnés, tandis que l’autre abrite une chambre principale et une chambre d’amis.

©Maxime Brouillet

Un mur de béton où les deux volumes se rencontrent est laissé exposé et est couvert de marques colorées datant de la période de construction du complexe, il y a plus de 50 ans !

©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet

« L’espace est structuré autour de la jonction des blocs », déclare le duo de designers, permettant ainsi de mettre en évidence l’assemblage du bâtiment. « Le changement principal du studio dans l’agencement de l’appartement était d’inclure une nouvelle salle de bain pour les invités. Il se trouve entre les deux chambres dans l’aile arrière, à côté de la salle de bains de la chambre principale. Dans les deux salles de bains, les douches sont dotées d’un verre dichroïque qui scintille avec différentes teintes lumineuses en fonction de l’angle de vue. Le verre jette la douche dans les tons vifs d’orange, de vert et de bleu, et crée des reflets colorés des autres appareils. »

©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet

Rainville Sangaré a également conçu les lampes noires pliées de l’appartement. Appelées Unité, elles sont « inspirées des blocs de construction préfabriqués rectangulaires d’Habitat 67 » et sont présentes dans toute la résidence.

©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet

Le studio a choisi une palette de matériaux neutres pour les autres espaces. Les teintes sont conçues pour compléter les vues du fleuve Saint-Laurent adjacent à partir des grandes fenêtres carrées de l’unité 622.

©Maxime Brouillet

« L’environnement Habitat 67 a informé la conception de l’espace. Étant donné l’emplacement sur le fleuve Saint-Laurent, où il peut être venteux et isolé pendant les mois d’hiver, la palette de matériaux et de couleurs a été maintenue au minimum pour améliorer la qualité de la lumière et la chaleur tactile. »

Les nouvelles suites Extrême WOW du W Montréal imaginées par Sid Lee sont officiellement lancées

Sid Lee Architecture, en collaboration avec le propriétaire Ivanhoé Cambridge et l’exploitant Hôtel W Montréal, a récemment terminé la transformation de trois suites Extrême WOW au W Montréal.

©Stéphane Brügger

Situé au cœur du Quartier International de Montréal et logé dans l’immeuble historique de la Banque du Canada, le W Montréal est un hôtel de luxe qui se distingue grâce à son identité racée, à la fois élégante et extravertie, toujours à la page des tendances du design, de la mode et de la musique.

©Stéphane Brügger

Le récent projet de rénovation a permis de redonner vie aux suites WOW 1001, 1012, et 1013. Celles-ci offrent aujourd’hui un décor muséal, inspiré des emblèmes culturels de la ville de Montréal. Les artéfacts sont revisités et adaptés au contexte de l’hôtel. Ensemble, ils racontent une histoire, celle d’une ville d’avant-garde, fière de son patrimoine.

©Stéphane Brügger

La suite 1001, la plus spacieuse, en est un brillant exemple : l’espace dînatoire et le bar Habitat reprennent les formes déconstruites d’Habitat 67, le tapis central et la bibliothèque font un clin d’œil à la station de métro Villa Maria, le tapis du coin cinéma frétille sous un feu d’artifice d’été, le luminaire suspendu surplombe le lit d’une dense structure géométrique telle la biosphère, les coussins en fourrure naturelle posés sur le lit rappellent la traite industrielle ayant marquée l’histoire de la métropole, enfin les œuvres d’art sont le reflet de l’éclectisme et de l’avant-garde des mouvements artistiques locaux.

©Stéphane Brügger

Les lieux ont été complètement revampés afin de refléter la philosophie haute en couleur de la bannière. L’espace est multifonctionnel, modulable et amovible. En effet, tout le mobilier a été conçu sur mesure et réfléchit dans l’optique de pouvoir complètement vider l’espace de ses meubles. Celui-ci devient alors un local vaste, 100 % appropriable, dans lequel un spectaculaire panorama de la ville est mis en valeur.

©Stéphane Brügger

La suite 1001 est une destination aux multiples usages, que ce soit pour une nuitée exclusive ou un évènement privé : réunions d’entreprise, lancement de produits, soirée avec DJ, ou défilé de mode.La suite est dotée d’un grand écran circulaire et d’un projecteur, pour un usage libre, aux goûts du visiteur. Elle inclut également un garde-manger et une entrée de service pour permettre la tenue d’un service de traiteur.

©Stéphane Brügger

À propos de Sid Lee Architecture

Sid Lee Architecture a récemment terminé les travaux de rénovations majeures de l’emblématique hôtel Fairmont Le Reine Elizabeth. L’équipe s’active depuis sur plusieurs mandats de repositionnement dans le domaine hôtelier, pour diverses bannières, dans plusieurs villes en Amérique du Nord.  Fondée en 2009 par l’intégration de la firme d’architecture Nomade, Sid Lee Architecture est le fruit des talents et des habiletés conjugués des deux architectes et designers urbains Jean Pelland et Martin Leblanc, et de l’agence créative Sid Lee. Œuvrant à l’échelle mondiale à partir de ses ateliers de Montréal, Sid Lee Architecture compte près de 50 architectes, techniciens, designers, gestionnaires et autres artisans. Les projets de Sid Lee Architecture se distinguent par leurs unicités et par leurs identités fortes, imprégnées de l’histoire, de la culture et de la communauté. Depuis 2015, Sid Lee Architecture fait partie de Kyu, un nouveau collectif d’entreprises créatives établi par Hakuhodo DY Hodlings, le deuxième plus vaste réseau d’agences en Asie.

Sean Connolly à l’Opéra de Dubaï signé Alexander & CO

Sean Connolly au Dubai Opera est un restaurant, un bar et une cour de 350 personnes au coeur de l’animation de Dubaï, avec une vue directe sur le Burj Khalifa et est le seul restaurant dans l’espace nouvellement ouvert Dubai Opera. Inspiré par la forme et l’échelle très irrégulières du bâtiment et de la location, le restaurant s’inspire de l’intérêt personnel d’Alexander & CO pour le design et l’architecture classiques du XXe siècle combinés aux influences océaniques australiennes et néo-zélandaises de la cuisine de Sean Connolly.

©Brooke Holm

Chaque élément de conception dans le lieu explore les idées de la mer, de l’huître avec sa combinaison de surfaces sensuelles lisses et de surfaces extérieures texturisées, aux tons et aux couleurs océaniques des coraux et des nuances perlées. Les dalles de plafond voûtées qui font référence à la fois à l’intérieur d’une huître et aux géométries emblématiques de l’Opéra de Sydney sont des pierres précieuses et réfléchissantes.

©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm

Les espaces principaux se concentrent autour du bar à cocktail central Pearl Bar, construit en cuir gris, bois de noyer et marbre jaune. Les banquettes de marbre gris avec leur cuir rose rappellent les contrastes délicats des coraux de l’océan et des créatures marines tandis que les barres crues et de feu rappellent les bords extérieurs des coquillages noircis.

©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm

Fidèle au thème des Antipodes, Jacqui Fink, pionnière internationale du «tricot extrême» a créé une œuvre personnalisée en laine mérinos de 6 m de haut (une de ses plus grandes commandes à ce jour) en hommage aux tentacules des créatures marines, délicates et mystiques.

©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm

De même, l’artiste locale de Sydney, Tracey Deep, connue pour ses installations florales utilisant la flore indigène et indigène, a créé trois sculptures suspendues à la vision océanique. Le tapis de laine fait sur mesure avec ses tons bleus tachetés est une représentation des eaux de l’océan et a été conçu sur mesure par Alexander & CO pour ce lieu.

©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm

En harmonie avec les inspirations du design du XXe siècle, l’éclairage classique de Serge Mouille a été fabriqué sur mesure dans des finitions en acier émaillé blanc et laiton. De même, des originaux de meubles cultes du 20ème siècle sont combinés dans les verts, les gris, les bleus et les blancs avec les bois de noix normaux. Ils sont sculpturaux et féminins et ajoutent une valeur significative à l’intérêt de l’esthétique globale.

©Brooke Holm
©Brooke Holm

À propos d’Alexander & CO.

Alexander & CO est une agence de design multidisciplinaire avec une portée mondiale. Leurs capacités couvrent un large éventail de secteurs typologiques où ils travaillent dans toutes les facettes de la conception spatiale. Leur base de compétences techniques comprend l’architecture, la conception d’intérieur, la gestion de projet, le stylisme, l’image de marque et la planification principale. Le cœur de l’ADN d’Alexander & CO se caractérise par l’ambition de créer un design intemporel et leader du marché avec une communication empathique et sociale.

« La Prossima Fermata » : un glacier devenu design grâce à l’intervention de Studio Wok

Si vous êtes à Milan , dans le quartier de Maggiolina, vous ne pouvez passer à côté de la gelateria historique de Curzio Baraggi : la Prossima Fermata. Ayant fait peau neuve, la nouvelle identité visuelle de ce magasin de crème glacée est le fruit de deux réalités créatives de la région ayant collaboré ensemble : Studio Wok en termes d’architecture et de design, Atto pour le graphisme et la communication.

Dans ce projet la méthode de travail du glacier, le projet architectural et la nouvelle communication de l’image perdent les limites entre l’une et l’autre discipline et se mélangent pour produire un espace cohérent dans toutes ses parties. 

«Aujourd’hui, la glace est achetée parce que c’est un élément d’agrégation, une nourriture complète et, pourquoi pas, un achat impulsif. La clientèle, en évolution, nous amène à changer notre travail vers le maximum de sincérité. Il serait en effet conseillé d’inviter le public à participer à la préparation de la crème glacée, en leur faisant prendre conscience de ce qu’ils mangent « , raconte le propriétaire du lieu. 

Cette gelateria a été conçue comme un véritable laboratoire , mais beaucoup plus esthétique, comme l’expliquent les architectes de Studio Wok :

« D’un point de vue architectural, les points cardinaux de l’intervention étaient au nombre de trois: une piscine bourguignonne, un comptoir monolithique et la réorganisation du groupe de réfrigérateurs. Trois matériaux caractérisent ces opérations: le linoléum, la pierre et le bois. La barre de glace à la forme carrée et monolithique est recouverte de plaques de terrazzo, un matériau noble qui évoque les valeurs authentiques de la tradition. Le groupe de réfrigérateurs existants, qui montrent les fruits frais et de saison, a été inséré dans un cadre en bois afin d’être intégré dans l’espace avec une plus grande fonctionnalité et améliorer son apparence.  » 

En ce qui concerne la partie graphique du projet tout a commencé à partir de l’étude de la communication relative aux parfums proposés , comme l’explique l’agence Atto:

« Les goûts, maintenant, sont racontés à travers un mur de cadres en bois contenant les fiches techniques des différentes glaces ou sorbets.Ce système d’information conduit le client à une consommation plus consciente, en se concentrant non seulement sur les ingrédients mais aussi sur les allergènes et les valeurs nutritionnelles. Le logo, sobre et linéaire, veut se démarquer de l’imagerie typique des glaciers et être reconnaissable. Les lettres deviennent un instrument avec lequel jouer: elles évoquent l’image des cônes empilés les uns sur les autres et indiquent une direction à suivre pour atteindre le «Next Stop». Le logo et la couleur bourgogne, appliqués sur différents consommables tels que des tasses, des sacs et des plateaux, amènent le magasin de crème glacée hors du périmètre du magasin lui-même. »