De nouveaux locaux « instagramables » pour la société éponyme signés Gehry Partners

La célèbre application Instagram qui a désormais atteint le milliard d’utilisateurs, vient de déménager dans un nouvel espace de travail au coeur de la Big Apple. Conçus par l’ agence d’architecture de Frank Gehry, les bureaux sont dotés de plusieurs décors où les employés et les visiteurs pourront prendre des photos et utiliser un studio de médias insonorisé.

© Jonathan Pilkington

C’est au 440 Broadway, l’ancien grand magasin Wanamaker près de l’Astor Place de Manhattan que la société de partage d’images a repris les étages supérieurs, où sa société mère Facebook a également des bureaux. Après son siège social à San Francisco, il s’agit des deuxièmes bureaux les plus importants d’Instagram. La société – lancée en 2010 – a ouvert un bureau à New York avec trois employés en 2015 et compte maintenant 290 employés dans la ville, avec des projets d’expansion.

© Jonathan Pilkington
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« Quand nous avons commencé il y a huit ans, nous étions dans un tout petit bureau« ,explique le co-fondateur d’Instagram, Kevin Systrom.  « Au fur et à mesure que nous grandissions, nous avons commencé à réaliser que l’artisanat était une partie importante de ce que nous faisions, non seulement construire des produits, mais construire notre espace et construire notre équipe. »

© Jonathan Pilkington
© Jonathan Pilkington

Basée à Los Angeles, l’agence Gehry Partners était responsable de l’aménagement et des éléments structurels des bureaux, les architectes ont travaillé en étroite collaboration avec une équipe interne sur la conception des intérieurs et des installations.

Avec un plan d’étage expansif, de grandes hauteurs sous plafond et de grandes ouvertures, l’équipe a créé une séquence d’espaces autour d’un atrium central. Bien entendu, plusieurs espaces scénographiés ont été mis en oeuvre pour offrir des opportunités de photos.

Lorsqu’on entre dans les bureaux, on retrouve dans le lobby un mur d’accueil numérique, présentant une sélection d’images provenant des flux Instagram et les histoires des utilisateurs de l’application.

© Jonathan Pilkington
© Jonathan Pilkington
© Jonathan Pilkington
© Jonathan Pilkington

On retrouve également dans le couloir une sculpture organique réalisé en verre et changeant de couleur grâce à un éclairage contrôlé par l’utilisateur, un endroit idéal pour les selfies.

Un mur recouvert d’un dégradé coloré et un mur vert à côté de l’escalier sont également prévus comme toile de fond pour les photographies.

« Autour de l’espace, vous verrez des œuvres d’art de nos différents membres de la communauté, et nous les avons intégrés dans l’espace en toute transparence pour vraiment représenter qu’il s’agit d’une société d’art« , ajoute Systrom.

Divers espaces où s’alimenter sont regroupés au centre, on y retrouve un large choix allant d’un comptoir à jus et gelato « inspiré de l’esthétique cubaine-Miami des années 1930 » à un bar bien approvisionné appelé le Thirsty Flamingo décoré de surfaces couleur pêche.

© Jonathan Pilkington
© Jonathan Pilkington

En retrait des espaces de travail aux extrémités est et ouest, un coin bibliothèque a été prévu pour travailler au calme. De plus, des espaces dédiés aux réunions privées sont également proposés, ainsi qu’un studio insonorisé permettant d’enregistrer des interviews audio et filmées.

Les salles de conférence portent le nom de comptes Instagram populaires et de termes de recherche fréquemment utilisés, notamment Old Fashioned, Rainbow Bagel, Blair Waldorf, Rich Dogs d’Instagram et All Black Everything.

« C’est tellement spécial de pouvoir entrer dans un espace qui est vraiment Instagram, c’est conçu et spécial« , s’enthousiame Systrom.

© Jonathan Pilkington
© Jonathan Pilkington

L’impact d’Instagram sur l’architecture et les intérieurs a considérablement augmenté depuis le lancement de l’application en 2010. Il y a quelques temps, lors de notre rencontre avec S’il te plait, les membres du groupe étaient relativement unanimes sur la relation entre l’architecture et Instagram, ainsi que sur l’attrait des projets dans leur représentation graphique et la photogénie des constructions pour une meilleure communication via l’application.

Mike Krieger, co-fondateur de l’entreprise, a également déclaré avoir remarqué que la plateforme influence le design d’intérieur.

BIG : entre l’architecture et le design il n’y a qu’un pas !

La célèbre agence d’architecture BIG a designé un vase en céramique en édition limitée à l’image d’un immense pavillon gonflable conçu en 2016 par Bjarke Ingels et son équipe.

Composé de sphères jointes qui ressemblent à un groupe de bulles, le vase en porcelaine est une réplique à échelle réduite d’une partie d’un pavillon gonflable que BIG avait imaginé conçu pour l’édition annuelle du festival de musique de Roskilde, au Danemark. Décrite par BIG comme un «pavillon de nuage ressemblant à une bulle», la structure blanche bulbeuse recréant une canopée de 120 m² abritait le stand de t la brasserie danoise Tuborg.

L’objectif de ce projet appelé Skum – le mot danois pour mousse, était de rappeler aux visiteurs les châteaux gonflables de leur enfance. Le pavillon est passé de plat à complètement gonflé en seulement sept minutes, et a été maintenu gonflé tout au long du festival grâce à une paire d’éoliennes intégrées. Des lumières LED à variation de couleurs permettaient à la structure de changer régulièrement son apparence.

Le vase Skum en porcelaine blanche mate, qui mesure 17,8 centimètres de haut et 13,4 centimètres de large, a été produit par la plateforme de design d’intérieur Mosss .

La société basée à San Francisco a créé le vase en l’honneur d’un récent atelier vidéo en collaboration avec Bjarke Ingels. Le bref set de BIG by Mosss consistait à concevoir un petit objet domestique basé sur l’un de ses designs.

Le design a été réalisé en utilisant un logiciel de modélisation 3D, ce qui a permis aux architectes de voir et d’évaluer toutes les dimensions du vase avant de créer des prototypes physiques. Après que le formulaire ait été décidé, le studio a créé des prototypes imprimés en 3D, testant différentes tailles avant de décider de l’échelle actuelle.

La conception finale est faite de porcelaine de haute qualité, qui est soigneusement poncé et fini à la main, tandis que l’intérieur est scellé pour être étanche à l’eau.

« Comme l’installation gonflable, le vase Skum a une forme de bulle et capture un sens de la créativité, de la fantaisie et du jeu« , a déclaré Mosss. « Alors que le pavillon continue à parcourir le monde des festivals de musique aux foires d’art, une petite fraction de celui-ci peut maintenant peupler les maisons privées, réincarnées en vase Skum.« 

Maneki un restaurant bleu électrisant inspiré de la pop culture asiatique

Les designers Rainville-Sangaré et Studio Beau se sont associés pour concevoir le design intérieur et l’identité visuelle du nouveau restaurant Maneki comptoir asiat’ situé dans le quartier montréalais Hochelaga-Maisonneuve.

© Sarah Babineau

Confiée aux mains de Studio Beau, l’identité visuelle fait écho aux classiques asiatiques avec un clin d’œil humoristique. C’est la raison pour laquelle son logo fait référence au maneki-neko, cette statue de chat porte-bonheur. Dans le même esprit, les lieux ont été travaillés pour dégager une ambiance moderne et ludique. L’équipe de Rainville-Sangaré a ainsi misé sur du mobilier sobre, mais solide, des tons de bleu électrique et des formes géométriques pour créer un rythme tout en laissant le plus de place possible à l’interaction.

«Nous avions une carte blanche avec un très petit budget», explique l’équipe de Rainville-Sangaré, qui a géré l’ensemble du design intérieur, y compris l’éclairage et le mobilier. « Ils voulaient quelque chose de jeune et décontracté. »

© Sarah Babineau
© Sarah Babineau

L’entreprise n’a conservé aucun des éléments existants de l’unité, en commençant par l’espace de 57 mètres carrés. Avec Studio Beau, les designers se sont tournés vers la culture pop asiatique pour s’inspirer de l’imagerie et de ses motifs .

© Sarah Babineau

Un luminaire en zigzag bleu fait sur mesure au centre du restaurant, rappelle l’aspect général du mobilier et du décor. Un carrelage métro blanc recouvre partiellement les murs, tandis que des cadres de grille en métal bleu avec des illustrations graphiques, ajoutent au décor une touche d’originalité qui peut être facilement changée.

Bleu électrique est la teinte primaire à l’intérieur de Maneki.  « [La couleur] a été inspirée par les veilleuses des rues asiatiques« , explique Rainville-Sangaré.

© Sarah Babineau

Studio Beau a appliqué la même teinte néon aux contenants à emporter, aux cartes de visite et aux estampes graphiques qu’ils ont créées. Ce dernier présente des personnages célèbres, des plats, des chansons pop et maneki-neko, le félin populaire de la félicité. «Nous avons partagé le même espace de travail tout en travaillant sur le projet, il était donc facile d’avoir des idées de l’autre côté de la table», explique Rainville-Sangaré. « Une partie difficile était le travail de correspondance des couleurs – le bleu devait être en néon, métal, peinture murale et impression. »

© Sarah Babineau

Il y a un an, le duo montréalais Rainville-Sangaré recevait la bourse Phyllis-Lambert avec le projet Compléments de l’architecture, une recherche axée sur la conception de détails architecturaux intégrés au cadre bâti et ayant comme sujet d’étude la ville d’Helsinki. Avec Compléments de l’architecture, l’objectif de Nicholas Sangaré et Lambert Rainville, était de donner vie à une démarche créative inspirée d’une approche de l’architecture intégrée finlandaise mettant en lumière l’importance de la présence de l’apport humain dans la caractérisation de nos villes.

Rainville Sangaré redonne un second souffle à l’unité 622 du complexe brutaliste montréalais Habitat 67

Le studio de design montréalais Rainville Sangaré a été engagé par un couple pour rénover l’unité 622 du complexe d’habitation des années 1960 : le célèbre Habitat 67 de Moshe Safdie. La conception de l’architecte israélo-canadien est considérée comme un exemple d’architecture brutaliste avec ses 158 logements dans 354 «boîtes» en béton préfabriquées empilées.

©Maxime Brouillet

L’Unité 622 rénovée est composée de deux de ces blocs disposés perpendiculairement l’un à l’autre, ressemblant à la forme d’un T en plan. L’une des ailes comprend un salon, une cuisine et une salle à manger décloisonnés, tandis que l’autre abrite une chambre principale et une chambre d’amis.

©Maxime Brouillet

Un mur de béton où les deux volumes se rencontrent est laissé exposé et est couvert de marques colorées datant de la période de construction du complexe, il y a plus de 50 ans !

©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet

« L’espace est structuré autour de la jonction des blocs », déclare le duo de designers, permettant ainsi de mettre en évidence l’assemblage du bâtiment. « Le changement principal du studio dans l’agencement de l’appartement était d’inclure une nouvelle salle de bain pour les invités. Il se trouve entre les deux chambres dans l’aile arrière, à côté de la salle de bains de la chambre principale. Dans les deux salles de bains, les douches sont dotées d’un verre dichroïque qui scintille avec différentes teintes lumineuses en fonction de l’angle de vue. Le verre jette la douche dans les tons vifs d’orange, de vert et de bleu, et crée des reflets colorés des autres appareils. »

©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet

Rainville Sangaré a également conçu les lampes noires pliées de l’appartement. Appelées Unité, elles sont « inspirées des blocs de construction préfabriqués rectangulaires d’Habitat 67 » et sont présentes dans toute la résidence.

©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet
©Maxime Brouillet

Le studio a choisi une palette de matériaux neutres pour les autres espaces. Les teintes sont conçues pour compléter les vues du fleuve Saint-Laurent adjacent à partir des grandes fenêtres carrées de l’unité 622.

©Maxime Brouillet

« L’environnement Habitat 67 a informé la conception de l’espace. Étant donné l’emplacement sur le fleuve Saint-Laurent, où il peut être venteux et isolé pendant les mois d’hiver, la palette de matériaux et de couleurs a été maintenue au minimum pour améliorer la qualité de la lumière et la chaleur tactile. »

Park House Food Merchants : un loft rétro scandinave où se mêlent art et restauration

Le studio de design Alexander & CO signe le Park House Food Merchants : un restaurant de 200 places situé dans l’hôtel récemment rénové de Mona Vale, près de Sydney. Conçu comme un entrepôt d’art de style loft, le restaurant, entre le rétro des années 70 et le modernisme scandinave, s’inscrit comme une insertion expressive et artistique dans la coquille délabrée de l’ancien motel.

© Felix Forest
© Felix Forest
© Felix Forest
© Felix Forest

Le loft restaurant est à la fois robuste et organisé, bien équipé pour répondre à la circulation dense et à la situation côtière. Il accueille des salles à manger internes à double hauteur, une cour extérieure avec toits rétractables et plusieurs salles à manger privées, une cuisine ouverte, un bar à cocktails interne, un bar extérieur principal, de grandes cheminées intérieures et extérieures ouvertes et des structures extérieures en bois et acier.

© Felix Forest

Le projet explore diverses formes de maçonnerie combinées avec une gamme d’éclairage spécifique, d’ameublement et d’œuvres d’art. La structure existante en acier et en bois a volontairement été mise en avant afin de créer un volume à double histoire à la fois intérieurement et extérieurement sous le toit rétractable.

© Felix Forest
© Felix Forest
© Felix Forest
© Felix Forest

Le restaurant interne est construit autour d’une cuisine ouverte avec des arches en briques recyclées. Les planchers en béton poli sont remplacés à chaque instant par des carreaux de mosaïque Carrara en forme d’éventail, des motifs de couleur personnalisée et des carreaux de dalles en pierre. Un bar à hauteur de salle à manger avec granit rétro joue un centre de table tandis que les détails Art déco à une cheminée interne en brique crée des niches et des recoins pour salle à manger.

© Felix Forest
© Felix Forest

À l’extérieur, une cheminée double face et un foyer ancrent les zones de détente, le tout sous un toit rétractable et des lumières suspendues qui éclairent cette cour à double hauteur. A travers ce projet, rien ne serait une doublure, tout serait un substrat. Il n’y a pas de lattes fendues, pas de MDF, rien au-delà des matériaux de construction de base et rien qui finirait par être baratté et finirait dans une poubelle. Le travail du lieu est dans sa planification et la gestion des volumes. Très rarement, une occasion se présente où l’élément d’aménagement est presque supprimé à la place des œuvres d’art et des meubles. C’est un exemple d’entreprise où les déchets, les barattes et les matériaux sont tous réduits ou éliminés.

© Felix Forest
© Felix Forest

C’était un projet de réutilisation adaptative d’une structure de motel fortement délabrée. Sur plusieurs milliers de mètres carrés de terrain. Ce lieu représente l’une des six étapes de travail réalisées ou achevées sur le site dans le cadre d’un projet de porte d’entrée à la grande circonscription de Mona Vale. Avec cette volonté de réintroduire la communauté dans le bassin versant, le projet d’Alexander & CO permet d’accueillir une clientèle plus large de la commune et a vocation à développer son rôle social.

© Felix Forest
© Felix Forest

À propos d’Alexander & CO.

Alexander & CO est une agence de design multidisciplinaire avec une portée mondiale. Leurs capacités couvrent un large éventail de secteurs typologiques où ils travaillent dans toutes les facettes de la conception spatiale. Leur base de compétences techniques comprend l’architecture, la conception d’intérieur et la gestion de projet.

Les nouvelles suites Extrême WOW du W Montréal imaginées par Sid Lee sont officiellement lancées

Sid Lee Architecture, en collaboration avec le propriétaire Ivanhoé Cambridge et l’exploitant Hôtel W Montréal, a récemment terminé la transformation de trois suites Extrême WOW au W Montréal.

©Stéphane Brügger

Situé au cœur du Quartier International de Montréal et logé dans l’immeuble historique de la Banque du Canada, le W Montréal est un hôtel de luxe qui se distingue grâce à son identité racée, à la fois élégante et extravertie, toujours à la page des tendances du design, de la mode et de la musique.

©Stéphane Brügger

Le récent projet de rénovation a permis de redonner vie aux suites WOW 1001, 1012, et 1013. Celles-ci offrent aujourd’hui un décor muséal, inspiré des emblèmes culturels de la ville de Montréal. Les artéfacts sont revisités et adaptés au contexte de l’hôtel. Ensemble, ils racontent une histoire, celle d’une ville d’avant-garde, fière de son patrimoine.

©Stéphane Brügger

La suite 1001, la plus spacieuse, en est un brillant exemple : l’espace dînatoire et le bar Habitat reprennent les formes déconstruites d’Habitat 67, le tapis central et la bibliothèque font un clin d’œil à la station de métro Villa Maria, le tapis du coin cinéma frétille sous un feu d’artifice d’été, le luminaire suspendu surplombe le lit d’une dense structure géométrique telle la biosphère, les coussins en fourrure naturelle posés sur le lit rappellent la traite industrielle ayant marquée l’histoire de la métropole, enfin les œuvres d’art sont le reflet de l’éclectisme et de l’avant-garde des mouvements artistiques locaux.

©Stéphane Brügger

Les lieux ont été complètement revampés afin de refléter la philosophie haute en couleur de la bannière. L’espace est multifonctionnel, modulable et amovible. En effet, tout le mobilier a été conçu sur mesure et réfléchit dans l’optique de pouvoir complètement vider l’espace de ses meubles. Celui-ci devient alors un local vaste, 100 % appropriable, dans lequel un spectaculaire panorama de la ville est mis en valeur.

©Stéphane Brügger

La suite 1001 est une destination aux multiples usages, que ce soit pour une nuitée exclusive ou un évènement privé : réunions d’entreprise, lancement de produits, soirée avec DJ, ou défilé de mode.La suite est dotée d’un grand écran circulaire et d’un projecteur, pour un usage libre, aux goûts du visiteur. Elle inclut également un garde-manger et une entrée de service pour permettre la tenue d’un service de traiteur.

©Stéphane Brügger

À propos de Sid Lee Architecture

Sid Lee Architecture a récemment terminé les travaux de rénovations majeures de l’emblématique hôtel Fairmont Le Reine Elizabeth. L’équipe s’active depuis sur plusieurs mandats de repositionnement dans le domaine hôtelier, pour diverses bannières, dans plusieurs villes en Amérique du Nord.  Fondée en 2009 par l’intégration de la firme d’architecture Nomade, Sid Lee Architecture est le fruit des talents et des habiletés conjugués des deux architectes et designers urbains Jean Pelland et Martin Leblanc, et de l’agence créative Sid Lee. Œuvrant à l’échelle mondiale à partir de ses ateliers de Montréal, Sid Lee Architecture compte près de 50 architectes, techniciens, designers, gestionnaires et autres artisans. Les projets de Sid Lee Architecture se distinguent par leurs unicités et par leurs identités fortes, imprégnées de l’histoire, de la culture et de la communauté. Depuis 2015, Sid Lee Architecture fait partie de Kyu, un nouveau collectif d’entreprises créatives établi par Hakuhodo DY Hodlings, le deuxième plus vaste réseau d’agences en Asie.

Sean Connolly à l’Opéra de Dubaï signé Alexander & CO

Sean Connolly au Dubai Opera est un restaurant, un bar et une cour de 350 personnes au coeur de l’animation de Dubaï, avec une vue directe sur le Burj Khalifa et est le seul restaurant dans l’espace nouvellement ouvert Dubai Opera. Inspiré par la forme et l’échelle très irrégulières du bâtiment et de la location, le restaurant s’inspire de l’intérêt personnel d’Alexander & CO pour le design et l’architecture classiques du XXe siècle combinés aux influences océaniques australiennes et néo-zélandaises de la cuisine de Sean Connolly.

©Brooke Holm

Chaque élément de conception dans le lieu explore les idées de la mer, de l’huître avec sa combinaison de surfaces sensuelles lisses et de surfaces extérieures texturisées, aux tons et aux couleurs océaniques des coraux et des nuances perlées. Les dalles de plafond voûtées qui font référence à la fois à l’intérieur d’une huître et aux géométries emblématiques de l’Opéra de Sydney sont des pierres précieuses et réfléchissantes.

©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm

Les espaces principaux se concentrent autour du bar à cocktail central Pearl Bar, construit en cuir gris, bois de noyer et marbre jaune. Les banquettes de marbre gris avec leur cuir rose rappellent les contrastes délicats des coraux de l’océan et des créatures marines tandis que les barres crues et de feu rappellent les bords extérieurs des coquillages noircis.

©Brooke Holm
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©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm

Fidèle au thème des Antipodes, Jacqui Fink, pionnière internationale du «tricot extrême» a créé une œuvre personnalisée en laine mérinos de 6 m de haut (une de ses plus grandes commandes à ce jour) en hommage aux tentacules des créatures marines, délicates et mystiques.

©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm

De même, l’artiste locale de Sydney, Tracey Deep, connue pour ses installations florales utilisant la flore indigène et indigène, a créé trois sculptures suspendues à la vision océanique. Le tapis de laine fait sur mesure avec ses tons bleus tachetés est une représentation des eaux de l’océan et a été conçu sur mesure par Alexander & CO pour ce lieu.

©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm

En harmonie avec les inspirations du design du XXe siècle, l’éclairage classique de Serge Mouille a été fabriqué sur mesure dans des finitions en acier émaillé blanc et laiton. De même, des originaux de meubles cultes du 20ème siècle sont combinés dans les verts, les gris, les bleus et les blancs avec les bois de noix normaux. Ils sont sculpturaux et féminins et ajoutent une valeur significative à l’intérêt de l’esthétique globale.

©Brooke Holm
©Brooke Holm

À propos d’Alexander & CO.

Alexander & CO est une agence de design multidisciplinaire avec une portée mondiale. Leurs capacités couvrent un large éventail de secteurs typologiques où ils travaillent dans toutes les facettes de la conception spatiale. Leur base de compétences techniques comprend l’architecture, la conception d’intérieur, la gestion de projet, le stylisme, l’image de marque et la planification principale. Le cœur de l’ADN d’Alexander & CO se caractérise par l’ambition de créer un design intemporel et leader du marché avec une communication empathique et sociale.

Monoloko imagine un bar monochrome au design atmosphérique

Monoloko Design, une firme de design russe qui se fonde sur les dernières tendances stylistiques et la technologie de pointe, est fière d’annoncer l’achèvement de la refonte du Galaxy Bar et du Bottle Shop. Installé dans un bâtiment néoclassique de Moscou, le nouvel intérieur monochrome de la brasserie artisanale et les formes géométriques d’un bleu profond incarnent les éléments philosophiques du «cosmisme russe» et du «suprématisme», créant une atmosphère propice à la liberté et à l’imagination.

©Dmitry Chebanenkov

«L’idée était de créer un espace monochrome pur et lumineux qui facilite la libération de l’esprit et l’expansion des perceptions humaines, comme si nous marchions sur une toile d’art non objective.»

©Dmitry Chebanenkov

«La couleur a une grande influence sur la perception humaine et a une capacité extraordinaire à influencer les humeurs et les émotions.»

©Dmitry Chebanenkov

Redéfinir l’imagination

La philosophie de la supériorité de la couleur sur la perception humaine a été le moteur de la création d’un espace conçu pour libérer l’esprit de ses clients et où les ensembles perceptuels peuvent intervenir pour influencer les perceptions et la manière dont ils interagissent avec leur environnement. L’éclat et la clarté de l’intérieur monochrome du bar sont d’autres mondes, évoquant des perceptions d’un espace clair et ouvert, dépourvu d’influences de couleur typiquement attribuables au pouvoir de l’homme et de la nature.

©Dmitry Chebanenkov

Reflétant l’idéologie de Kazimir Malevitch, Monoloko a ensuite combiné les couleurs monochromes de l’espace avec les principes fondamentaux du suprématisme, un mouvement artistique abstrait dédié au sentiment artistique pur et aux formes géométriques de base. L’idée était de créer un espace ouvert imaginatif où les sources lumineuses et la couleur modifieraient les perceptions visuelles du mobilier géométrique tridimensionnel de la barre, défini comme suprématiste dans la composition et monolithique dans la mise en œuvre.

©Dmitry Chebanenkov
©Dmitry Chebanenkov

Une sphère céleste

Surplombant le bleu vif de l’espace, Monoloko s’est efforcé de créer une atmosphère paradisiaque ressemblant à un univers sans limites à travers la création d’une installation lumineuse spatiale, composée de néons flexibles enveloppés dans une coque en polyuréthane. L’effet qui en résulte est la perception d’un espace libre non objectif, où les usagers peuvent prendre du recul par rapport à leurs conceptions traditionnelles du temps et de la substance.

©Dmitry Chebanenkov
©Dmitry Chebanenkov

A propos de Monoloko Design

Monoloko Design imprègne les dernières tendances stylistiques, la technologie de pointe et les traditions architecturales établies dans chaque projet. Combinant les principes fondamentaux de l’architecture et du design avec une vaste expérience dans la construction, l’approche détaillée de Monoloko pour chaque projet unique garantit que la pertinence de ses maisons et de ses intérieurs perdurera pour plusieurs générations.