Conférence de l’architecte Bernard Desmoulin autour du Musée de Cluny

Conférence de l’architecte Bernard Desmoulin autour du Musée de Cluny

Bernard Desmoulin tiendra une conférence le 13 Septembre prochain à 19h au Pavillon de l’Arsenal dans le cadre de la série « 1 architecte, 1 bâtiment » où il présentera son projet pour le Musée de Cluny.

Bernard Desmoulin, 64 ans, lauréat de l’Équerre d’argent 2009, cet ancien collaborateur de Ieoh Ming Pei qui fut également pensionnaire à la villa Medicis de Rome vient d’achever la nouvelle entrée du Musée du Moyen-Âge situé dans le 5ème arrondissement, en plein cœur géographique et historique de la capitale. Découpé en 4 phases, le projet de rénovation du Musée de Cluny s’inscrit dans une optique de valorisation de sa richesses patrimoniale et culturelle, passant notamment par la restauration des monuments, la construction d’un nouvel accueil, la refonte muséographique et la rénovation des espaces extérieurs.
Spécialiste des édifices culturels et patrimoniaux, l’architecte se dit « allergique » au geste spectaculaire préférant la simplicité et le dialogue avec le lieu. « Quand j’interviens sur un site ancien, je continue une histoire« , déclare le principal intéressé.
Véritable curieux dans l’âme, l’architecte aime observer, déambuler dans Paris, être ému, mais surtout déménager tous les cinq ans pour découvrir de nouveaux quartiers, de nouvelles architectures urbaines. Un perpétuel renouveau, source de son inspiration.
« Quand j’interviens sur un site ancien, je continue une histoire. La vraie modernité, c’est celle qui se mesure au passé et est à l’aise dans son époque. »
Le nouvel accueil imaginé par Bernard Desmoulin, marque la volonté de l’architecte de créer un lien entre les différentes époques. Avec ses façades recouvertes de modules en fonte d’alluminum aux dimensions variées permettant de refléter les rayons du soleil, l’extension aux tons mordorés fait écho aux mêmes teintes qui recouvrent encore les pierres datant de l’Antiquité. « L’accueil qu’il a imaginé pour le musée de Cluny est une création respectueuse, explique Élisabeth Taburet-Delahaye, la directrice du musée. C’est un homme à l’écoute, patient et tenace. »
« Au Musée de Cluny, au coeur de Paris, notre propos n’était pas celui d’une hypothétique intégration à cette magnifique suite bâtie entre les IIe et XXIe siècles, mais une sorte de digression architecturale née d’un besoin d’éclectisme face aux pesantes théories d’une réalité désenchantée. Au regard de cet ensemble historique, le nouvel accueil de Cluny, n’est qu’une bague au doigt qui désigne au passant le renouveau d’un Musér, poursuivant ainsi la belle idée de la ville romaine qui se construit lentement sur elle-même.« 
L’Atelier des Lumières: une révolution scénographique 2.0 ?

L’Atelier des Lumières: une révolution scénographique 2.0 ?

L’art numérique joue un rôle de plus en plus important dans la conception des musées, des galeries et des espaces scénographiques. La perception et l’utilisation de l’espace évoluent en permanence. Situé dans une ancienne fonderie du XIXème siècle dans le 11ème arrondissement de la capitale, cet espace est le premier musée d’art numérique de Paris. A l’Atelier des Lumière, les oeuvres de  Gustav Klimt et Egon Schiele se côtoient sous formes de projections créant un univers enchanté aux couleurs incandescentes.Dans ce musée, les oeuvre prennent totalement possession du lieu et ne sont plus seulement des objet de contemplation accrochées à un mur, elles sont le lieu, le font vivre, lui donne une dynamique et une atmosphère. En résumé, elles prennent vie grâce au numérique. Il est donc intéressant de voir les enjeux émergent de cette démarche pour les architectes d’aujourd’hui et de demain.

 

Depuis Avril dernier, des oeuvres du XXème siècle sont ainsi mises en lumière grâce à une technique de projection sur des murs de 10 mètres de haut dans un espace de 3300m², le tout sous la direction de  Culturespaces , opérateur privé de musées et de monuments.

Ce lieu d’exposition a vocation à redéfinir notre expérience de l’art et à le rendre accessible à un plus large public par l’outil numérique. Une sorte de désacralisation de l’art 2.0 par le biais de la technologie.

« Ces expositions immersives peuvent être une introduction à la découverte de l’art pictural et un tel centre numérique faisait défaut à Paris« , explique Michael Couzigou, directeur de l’Atelier des Lumières.

 

« Les gens ne connaissent pas la culture comme ils l’ont fait par le passé« , expliqe Bruno Monnier, président de Culturespaces. « Les pratiques évoluent et l’offre culturelle doit être en phase avec elles. Le mariage de l’art et de la technologie numérique est, à mon avis, l’avenir de la diffusion de l’art parmi les générations futures. »

Le bâtiment dispose de trois salles d’exposition principales. Deux salles consacrées au peintre autrichien Gustav Klimt et à la peinture viennoise, avec des œuvres d’Egon Schiele et de Hundertwasser.

Une salle plus petite est réservée aux artistes émergents et présente des installations d’IA et numériques: « Nous voulons embrasser les artistes émergents sur la scène de l’art contemporain« , explique Michale Couzigou.

« Nous avons décidé de nous concentrer sur Gustav Klimt, à l’occasion du centenaire de sa mort, pour trois raisons: la variété de ses formes expressives, allant du classicisme au début de l’impressionnisme le mouvement artistique au tournant du XIXe siècle), sa renommée et le caractère poétique et romantique de son œuvre, que nous considérions comme un point de départ idéal », ajoute t-il. « Nous incluons également un court programme consacré au peintre et architecte Friedensreich Hundertwasser, influencé par le travail de Klimt. »

Une bande sonore de Wagner, Chopin et Beethoven, accompagne la visité grâce à un système de son « motion design » composé de 50 haut-parleurs.

« Il permet aux visiteurs de découvrir l’art sous un nouvel angle et par des expériences immersives. Nous combinons l’art classique et l’art numérique – je suis convaincu que le mariage de l’art et du numérique est l’avenir de la diffusion de l’art parmi les générations futures. Il est capable d’atteindre un public plus jeune et plus large que celui des musées traditionnels. Cette approche ne vise pas à remplacer les musées mais constitue une approche complémentaire de l’art »

La tour Trinity conçue pour inspirer les talents !

Le quartier des affaires de La Défense voit toujours plus grand et se tourne vers son avenir européen. L’agence d’architecture Cro&co, anciennement Crochon Brullmann et Associés, a développé un projet de tour des bureaux dont la première pierre a été posée en octobre 2017, en partenariat avec le groupe immobilier Unibail Rodamco. Le chantier de ce « défi de l’impossible » prend de l’ampleur et la tour devrait être livrée en 2019.

 

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La tour Trinity s’établit sur un terrain foncier créé « ex nihilo ». Il s’agit d’une construction qui repose sur une dalle passant au-dessus des voies de circulation. Les 49 000 m² du programme se répartissent sur 33 étages et atteignent 140 m de haut. Le projet prévoit aussi la création de 4000 m² d’espace public. Au-delà d’un projet architectural, il s’agit de créer une continuité urbaine autour de la tour.  Dans un contexte urbain déjà très dense, la Tour Trinity vient composer avec les autres gratte-ciels déjà présents sur la skyline du quartier des affaires de La Défense.

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Un projet de bureaux qui repousse les limites

La tour Trinity proposera de nombreuses configurations de bureaux, offrant des espaces de travail adaptés aux pratiques de chacun. À l’heure où le Home Office se développe, les bureaux comprendront également des espaces de rencontre entre collègues, collaborateurs et dirigeants. Une nouvelle manière de voir le monde de l’entreprise se met en place. Au sommet de la tour, six niveaux seront aménagés en duplex, donnant une échelle plus intimes aux entreprises y établissant leurs locaux. Les loggias et les terrasses seront végétalisées, avec des arbres plantés en pleine terre. Ces espaces deviennent des lieux où chaque employé pourra se ressourcer. La terrasse panoramique du 25e étage permettra d’observer l’ensemble du quartier des affaires.  L’architecture d’intérieur de la Tour Trinity a été conçue par Olivier Saguez, qui l’a pensé dans un esprit « bureau-hôtel ». Il porte une attention particulière aux matériaux, à l’ergonomie, aux mobiliers, afin de créer des lieux qui bénéficient d’un vrai plus-valu !

 

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Une tour certifiée HQHE : Haute Qualité Humaine & Environnementale.

 

Le noyau structurel du gratte-ciel est décentré, les ascenseurs sont déportés en façade, ce qui la rend vivante et dynamique. Celle ci, vitrée, permet une lecture des espaces depuis l’extérieur, mais assure également un apport de lumière non négligeable ! Les vitrages jouent un rôle essentiel dans la reconnaissance écologique du bâtiment, puisqu’il assurent l’isolation extérieure. Le projet se veut bioclimatique et s’aide des nouvelles technologies pour relever le défi. L’énergie des ascenseurs est récupérée et redistribuée, des capteurs enregistrent les données de température et de consommation à chaque étage… Celles ci permettront par exemple, d’adapter au mieux le chauffage et l’éclairage des espaces ! Cro&co propose ainsi des espaces « smart » pour des employés toujours plus « smart » !

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Renzo Piano, l’architecte italien contemporain !

Renzo Piano marque l’actualité française avec l’ouverture au public du Tribunal de Grande Instance de Paris, pour lequel il remporta l’année dernière, l’Equerre d’Argent 2017.  L’occasion de revenir sur le parcours de cet architecte italien, né à Gènes en septembre 1937. C’est également un homme politique, puisqu’il siège au Sénat italien. Enfant, il grandit dans une famille de constructeurs, et c’est tout naturellement qu’il se dirige vers des études d’architecture à l’Ecole Polytechnique de Milan, dont il sortira diplômé en 1964.

 

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Portrait, extrait du documentaire « Conversations with Renzo Piano » – folchstudio

 

Il voyage beaucoup dans le monde anglophone, aux Etats-Unis et en Grande Bretagne. Au prémisse de sa carrière, il crée successivement deux agences : Piano & Rogers, puis l’atelier Piano Rice. C’est avec la première qu’il remporte le concours du Centre Pompidou à Paris. Ce musée national, commandé par le Président de la République de l’époque, Georges Pompidou, fera entrer l’architecte dans une nouvelle dynamique de projets à grande échelle.

 

Aujourd’hui, son agence Renzo Piano Building Workshop est présente à l’international. Les 130 employés sont répartis sur les trois pôles de l’agence : à Paris, Gènes et New York. Un positionnement mondial qui lui permet d’être à l’origine de 120 projets à travers le monde, aussi bien en Europe, en Amérique ou en Asie de l’Est. Pritzker Price 1998, Renzo Piano a longtemps été inspiré par le travail de Jean Prouvé. Son amour pour les matériaux bruts, ainsi que la transparence et la vérité avec lesquels il les utilise, peuvent expliquer le caractère surprenant du Centre Pompidou, qui ne cachent en rien ses éléments techniques.  Dans ses projets, il aime mettre en valeur la réalité constructive qu’il laisse visible, et ne pas cacher ce qu’il est, finalement, la « face obscure » de beaucoup de projets.

 

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Centre Culture Tjibaou
Nouméa, Nouvelle Calédonie
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Centre Pompidou, Paris

 

Il fait cependant toujours attention à intégrer les bâtiments dans le contexte du projet, comme le montre le Centre Culturel de Tjibaou. Il s’inspire de l’architecture vernaculaire et des cases locales pour concevoir ce projet. A cheval entre vérité architecturale et prise en compte du contexte, les réalisations de Renzo Piano ne se ressemblent pas ! Il travaille les moindres détails de chaque échelle du projet et de chaque étape de construction de celui ci. Il est capable de travailler sur des volumes complètement différentes, comme le montrent ses récentes réalisations : le petit Pavillon au Château La Coste dans le Vaucluse et l’immense Tribunal de Grande Instance de Paris. Près de 120 000 m² séparent ces deux projets, et pourtant, chacun des deux semblent être aboutis de la même manière.

 

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Pavillon au Château La Coste
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Tribunal de Grande Instance de Paris

 

 

Immeubles pour automobiles, histoire et transformation

Du 20 Avril au 2 Septembre 2018, le Pavillon de l’Arsenal accueille l’exposition « Immeubles pour automobiles, histoire et transformation » sous la direction de DATA architectes avec Paul Smith, historien, Raphaël Ménard et Felix Pouchain (Elioth) et Antoine Espinasseau, photographe.

À la fin du XIXe siècle, la région parisienne est le berceau de la révolution automobile. Le rapide et spectaculaire essor de la « voiture automobile » s’accompagne de l’apparition de nouveaux archétypes bâtis, spécifiquement conçus pour cet objet technique inédit. À leur âge d’or, Paris compte plus d’une centaine d’immeubles pour automobiles, appelés garages, hôtels pour voitures ou garages-parkings. Aujourd’hui, alors que moins de 35% des ménages parisiens possède une voiture, ces parkings en élévation se vident. À l’image des constructions de la modernité abandonnées, des usines des faubourgs désertées, des entrepôts désaffectés, c’est désormais la mutation du patrimoine automobile qui est d’actualité. 
L’exposition « Immeubles pour automobiles – Histoire et transformations » révèle et envisage de façon théorique la mutation de ces édifices. Si individuellement chacun représente une opportunité, collectivement leur nombre et leur implantation invitent à une attitude renouvelée pour utiliser l’existant et éviter leur démolition. Conçue par les architectes de l’agence DATA avec l’historien Paul Smith, l’ingénieur Raphaël Ménard et le photographe Antoine Espinasseau, l’exposition explore en 4 séquences le potentiel de ces constructions dont les caractéristiques propres (système structurel rationnel, simplicité des dispositifs) en font des sortes de « squelettes capables » qu’il suffira peut-être dans un lendemain très proche de re-programmer avec de nouveaux usages pour continuer la construction de la ville non plus sur elle-même, par substitution ou tabula rasa, mais par elle-même, par transformation de ce qui est déjà là.

FAIRE 2018 Design Urbain – Appel à projets innovants

FAIRE 2018 Design Urbain – Appel à projets innovants

Lancement le mercredi 11 avril 2018 à 9h de FAIRE 2018 Design Urbain qui entend disrupter le système de production d’objets urbains en accélérant et finançant une courte série de prototypes sélectionnés par un jury d’experts pour leurs visions, leurs valeurs et les solutions proposées. FAIRE 2018 DESIGN URBAIN invite les designers, les équipes pluridisciplinaires réunissant designers, « makers », start-up, collectifs, concepteurs émergents ou confirmés ainsi que les étudiants des écoles de design à proposer de nouvelles stratégies pour l’espace public parisien.

FAIRE 2018 Design Urbain

Après le succès de FAIRE 2017, dédié aux expérimentations architecturales, cette nouvelle session du programme FAIRE entend disrupter le système de production d’objets urbains en accélérant et finançant une courte série de prototypes sélectionnés par un jury d’experts pour leurs visions, leurs valeurs et les solutions proposées.

Lancé par le Pavillon de l’Arsenal et la Ville de Paris, en collaboration avec MINI et le soutien de la Caisse des Dépots, FAIRE 2018 DESIGN URBAIN interpelle directement les designers sur les grands défis et enjeux des métropoles : solidarité, bienveillance, place du sport ou des plus jeunes, questions de mobilité et de sécurité, engagement climatiques et énergétiques, gestion des flux, des déchets, problématiques de chaleur, de sècheresse ou de crue, résilience, mutations technologiques …

FAIRE 2018 Design Urbain

CALENDRIER

11 avril 2018 
Lancement de FAIRE 2018 DESIGN URBAIN

31 mai 2018
Date limite de remise des projets sur la plateforme faireparis.com

Juin 2018
Analyse des projets

Eté 2018
Proclamation des projets lauréats

MATINEE DE LANCEMENT
Mercredi 11 avril 2018 de 9h à 12h au Pavillon de l’Arsenal
Matinée animée par Jean-Louis Frechin, fondateur Nodesign

Inscription à la matinée de lancement !

9h00 – LANCEMENT DE FAIRE 2018 DESIGN URBAIN 

Alexandre Labasse, Directeur général du Pavillon de l’Arsenal

Jean-Louis Missika, Adjoint à la Maire de Paris chargé de l’Urbanisme, de l’architecture, des projets du Grand Paris, du développement économique et de l’attractivité

Frédéric Hocquart, 
Adjoint à la Maire de Paris chargé de la vie nocturne et de l’économie culturelle (en charge des métiers d’art, de la mode, du design et des commerces culturels)

Marianne Louradour, 
Directrice régionale Ile-de-France de la Caisse des Dépôts

Edith Lalliard, Directrice du Département Mécénat et Partenariats, Groupe Caisse des Dépôts

Pierre Jalady, 
Directeur général de MINI France

10h00 – 12h00  MEET-UP
Espaces thématiques autour des grands enjeux et défis des métropoles : solidarité, bienveillance, place du sport ou des plus jeunes, questions de mobilité et de sécurité, engagement climatiques et énergétiques, gestion des flux, des déchets, problématiques de chaleur, de sécheresse ou de crue, résilience, mutations technologiques … Rencontrez et échangez entre designers, architectes, start-up, industriels, collectifs, makers, … !

Edition 2017 : Pont trampoline gonflable Atelier Zündel Cristea
Edition 2017 : Le hall contributif, proposé par l’équipe MAJMA, Martin Jaubert & Antoine Maitre, MNAi et Maya Nemeta, entend faire vivre les espaces non exploités comme les entrées d’immeubles.
Edition 2017 : Axel de Stampa, Romain De Santis et Sophie Picoty ont imaginé une mini-base nautique, flottante et mobile, doublée d’une station écologique dépolluante. Le canal Saint-Martin pourrait accueillir la structure en été 2018.
Edition 2017 : Frédéric Leyre, Clément Carrière et Nicolas Didier proposent de végétaliser les échafaudages pour compenser les désagréments visuels et sonores des grands chantiers et lutter contre les îlots de chaleur.

 

Pour plus d’informations rendez-vous sur le site ici !

Sur les traces du Corbusier : 4 réalisations de l’architecte à voir et revoir à Paris

 

Les beaux jours arrivent doucement. C’est une belle occasion pour découvrir ou re-découvrir le patrimoine architectural qui s’est installé dans les rues parisiennes. Après vous avoir fait redécouvrir le Corbusier, et ses nombreuses facettes, nous vous proposons de découvrir ses réalisations dans la capitale. Ses œuvres sont internationales, mais vous n’avez guère besoin d’aller à l’autre bout du monde ou de la France pour observer ses réalisations. Voilà cinq de ses œuvres que vous pouvez visitez à Paris.

 

La Maison la Roche – 1925, Paris

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Maisons La Roche-Jeanneret, Paris
Photo : Olivier Martin Gambier 2016 © FLC/ADAGP
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Maisons La Roche © FLC/ADAGP

Raoul La Roche était un mordu d’art, et fervent collectionneur. Il demande à Le Corbusier d’imaginer une résidence qui lui permettrait à la fois d’exposer ses collections, tout en y habitant confortablement. L’architecte instaure alors une véritable promenade architecturale. C’est cette particularité de commande qui rend la réalisation hors-norme, d’autant plus que Le Corbusier y applique les 5 points d’une architecture moderne, tout en utilisant le béton armé, matériau nouveau à l’époque. Dans les années 1930, de nombreux artistes, architectes, et autres aficionados d’arts viennent visiter le bâtiment… et les tableaux de Raoul La Roche. Aujourd’hui, c’est ici que la Fondation Le Corbusier a établi ses quartiers. La Maison la Roche se visite, tandis que les bureaux de la fondation sont situés juste à côté, dans la Maison Jeanneret, ainsi que la bibliothèque regroupant les archives laissées soigneusement par l’architecte lui même.

 

La Maison-atelier du peintre Amédée – 1922, Paris

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Photo : Olivier Martin-Gambier 2006 © FLC/ADAGP

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Situé dans le 14e arrondissement de Paris, la maison-atelier est la première réalisation du Corbusier dans la capitale, en 1922. Il conçoit cette habitation pour son ami peintre-dessinateur Amédée Ozenfant. A l’origine, le rez-de-chaussé était occupé par le garage. Aujourd’hui, les ouvertures en fenêtres-bandeaux ont été modifiées. Le premier étage est l’habitation, alors que le second est entièrement dédié à un vaste atelier d’artiste, baigné de lumière par de grandes baies vitrées et de grands volumes, qui n’attendait qu’à être exploité par le peintre. Même si l’intérieur n’est pas visitable, vous pourrez admirer le bâtiment de l’extérieur, et relevé les différentes caractéristiques de l’architecture moderne.

 

L’unité d’habitation et sa cellule,  Cité de l’architecture et du patrimoine

unité_habitation_marseille_cité_radieuse_logement_le_corbusier_architecture_moderneSi vous souhaitez vous immerger dans les logements sociaux créer dans les unités d’habitations que le Corbusier créait à Marseille, Berlin, Firminy près de Saint-Etienne, Rezé près de Nantes et Briey-en-Forêt en Meurthe et Moselle, rendez-vous… à la cité de l’architecture et du patrimoine de Paris. En effet, vous y trouverez une reproduction grandeur nature d’une cellule d’habitation, avec le mobilier d’époque. Les deux guerres vécues par le Corbusier marque son esprit, et font grandir en lui l’envie de reconstruire le pays, en produisant des logements de masse. Il y appliquera sa pensée théorique, y appliquera le Modulor… Aujourd’hui, ces logements sont toujours habités et font partie d’un patrimoine riche à conserver !

 

La villa Savoye – 1931, Poissy

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Villa Savoye, Poissy
Photo : Paul kozlowski © FLC/ADAGP
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Villa Savoye, Poissy
Photo : Paul kozlowski © FLC/ADAGP

Pour finir, en s’éloignant quelques peu de Paris, vous pourrez visiter la Villa Savoye, véritable manifeste de l’architecte et du mouvement moderne. Cette réalisation, située dans la ville de Poissy, reprend de manière rigoureuse les 5 piliers d’une architecture moderne préconisée par l’architecte : le rez de chaussé est dégagé grâce à des pilotis, les fenêtres-bandeaux structurent des vues sur l’extérieur, le plan libre permet de dresser une façade libre de toute contrainte et le toit-terrasse crée un espace supplémentaire. Conçu en 1931 pour de riches propriétaires, la villa est classée Monument Historique depuis 1965, et Patrimoine Mondial depuis 2016.

 

Anne Vanrapenbusch

Revoir Paris en Grand – Guide d’architecture de Paris chez DOM

Vue sur La Défense (c) Jean-Philippe Hugron

Quoi de plus banal et indispensable qu’un guide d’architecture? Au fil des pages s’égrène l’inventaire tranquille des trésors construits : l’incontournable icône côtoie l’injustement méconnu à redécouvrir. La proximité du papier rétablit un semblant de justice et de démocratie architecturale. Plus la ville est grande et célèbre, plus l’exercice est difficile. Comment faire son choix dans la masse de bâtiments que renferme un ensemble métropolitain comme Paris? Comment, aussi, éviter de répéter les choix des auteurs s’étant précédemment essayés à l’exercice? Jean-Philippe Hugron, critique et chercheur, avait parfaitement conscience de ces écueils lors de la rédaction de son guide tentant le pari de décrire 120 années de patrimoine architectural parisien en 257 exemples — à peine 2 par an! Une gageure, d’autant que le guide dépasse les limites du Paris intra-muros pour couvrir ce que l’on appelait hier la banlieue, et que l’on nomme désormais « Grand Paris ». À titre de comparaison, le Guide d’architecture Paris 1900-2008 édité par le pavillon de l’Arsenal rassemblait 1200 exemples construits sur la commune de Paris en 110 ans.

C’est à la découverte de ces territoires variés autant que de l’hypercentre que l’ouvrage se propose d’aller, en dosant habilement découvertes et incontournables, en privilégiant les édifices accessibles dans leur localisation ou leur ouverture au public.

Des choix difficiles

Les choix de l’auteur sont clairs « réaliser un guide d’architecture portant sur la période 1900-2016 relève d’un exercice quasi-cleptomane… Bien d’autres ouvrages ont d’ores et déjà compilé, à défaut de quelques récentes actualités, les richesses architecturales de Paris. Toutefois, aucun n’a jusqu’alors présenté Paris et sa banlieue ». C’est à la découverte de ces territoires variés autant que de l’hypercentre que l’ouvrage se propose d’aller, en dosant habilement découvertes et incontournables, en privilégiant les édifices accessibles dans leur localisation ou leur ouverture. Hormis 5 images, toutes les images de grande qualité sont de l’auteur, ce qui mérite d’être signalé. Le guide suit un fil chronologique découpant 120 années en 7 périodes, bornées de préférence par les évènements qui provoquèrent des changements en architectures : 68 et la réforme de l’enseignement, 74 et l’arrivée de Giscard au pouvoir, marquant le rejet de l’architecture moderne et la fin d’une architecture étatique entreprenante… Non sans ironie, le chapitre 1968-1974 appelé « interdit d’interdire » appose le slogan libertaire soixante-huitard sur les préfectures d’île de France, pur produit de ce dirigisme gaulliste qui dénonçait la chienlit estudiantine envahissant les rues en mai 68. La sélection globale présente beaucoup de bâtiments publics, qu’ils soient civils ou religieux. Les églises de l’après-guerre sont bien représentées, à juste titre puisqu’il s’agit d’un patrimoine à la fois méconnu et intéressant. Les OVNI y ont aussi leur place — MAPAD de Nuñez-Yanowsky à Alfortville, conservatoire de Le Goas à Montreuil, MJC (maison des jeunes et de la culture) de Dubrulle à Argenteuil.

MAPAD (maison d’accueil pour personnes âgées dépendantes), Manuel Nuñez-Yanowsky architecte, 1987 (c) Jean-Philippe Hugron

La métropole d’Amélie Poulain ?

Les tours ou IGH figurent aussi en bonne place, reflétant un tropisme de Jean-Philippe Hugron pour la grande hauteur. On aurait aimé un même intérêt pour le logement, qui n’apparaît que sporadiquement dans le guide, et souvent sous ses formes les plus spectaculaires — Nuñez-Yanowsky et Bofill à Marne, Bofill à Cergy. La production de logements, abondante à toutes les époques et aussi ces dernières années, contredisait sans doute trop une grande thèse de l’auteur : Paris deviendrait une ville-musée s’amélipoulinisant pour plaire au touriste. On cherche encore la belle Amélie dans tous les logements de l’Est Parisien construits depuis 1990, entre les opérations ponctuelles des arrondissements chiffrés de 18 à 20 (et éventuellement 10-11-12), ou dans les grands secteurs d’aménagements de la Seine-Rive-Gauche et Batignolles. Et dans les quartiers centraux, en laissant le logement de coté, on se demande ce que la canopée de Halles — pas un petit morceau —, la transformation de la samaritaine et de bien d’autres bâtiments — Gaîté Lyrique, Halle au grain, Poste du Louvre — à encore à voir avec l’héroïne du film de Jeunet.

À vouloir à tout prix rentrer dans le cliché que les touristes appliquent à Paris, on finit par en oublier la particularité : une ville qui se transforme et s’adapte en permanence en gardant son image, et se prépare aujourd’hui tant bien que mal à prendre sa dimension métropolitaine et affronte la mondialisation en jouant sur une des cartes les plus prisées, le patrimoine, cible d’enjeux économiques remarquablement décrits par Luc Boltanski  et Arnaud Esquerre dans l’ouvrage « Enrichissement » (1). On peut ne pas aimer ce tournant, ou trouver certains projets ratés – que dire d’autre de la rénovation de la piscine Molitor, devenus bains de luxe surmontés d’un hôtel ? Mais un guide sur Paris se devrait aussi de restituer l’impact de ses enjeux sur le bâti dans leur complexité plutôt que de reconduire les lieux communs les plus paresseux, surtout à l’aube des transformations olympiques qui attendent la métropole.

_Olivier Namias

  1. Au-delà de l’industrie du tourisme, rappelons que le Grand Paris est le troisième marché mondial de l’immobilier tertiaire, et que sa partie la plus dynamique, le QCA – quartier central des affaire, occupe le centre ouest de la capitale.
Ex-Soufflerie Hispano-Suiza, Bois-Colombe. Vestige du passé industriel de l’Ouest Parisien, le batiment construit en 1937 par les frères Haour a été reconverti en école primaire en 2006 par Patrice Novarina et Alain Béraud (c) Jean-Philippe Hugron

 

Guide d’architecture, Paris

Par Jean-Philippe Hugron

DOM Publishers, Berlin, 2017

312 p., 24,4 x13, 4 cm, 38 €

ISBN 978-3-86922-655-2 (en français)

ISBN 978-3-86922-445-9 (en allemand)

https://dom-publishers.com/

 

Église Notre-Dame-de-la-Paix, Suresnes, Dom Bellot architecte, 1934 (c) Jean-Philippe Hugron

 

Conservatoire de Montreuil, Claude Le Goas architecte, 1977. (c)Jean-Philippe Hugron
Fondation Louis Vuitton, Paris, Frank O. Gehry architecte, 2014 (c) Jean-Philippe Hugron
Les espaces d’Abraxas, Noisy-le-Grand, Ricardo Boffil architecte, 1983 (c) Jean-Philippe Hugron
Long de plus de 600 mètres, les anciens entrepôts Macdonald, au nord de Paris, ont fait l’objet d’un important projet de restructuration impliquant quinze architectes (2015). Ici, de gauche à droite, logements de Brenac&Gonzales et Stéphane Maupin. Architecte de l’entrepot : Marcel Forest, 1970. (c) Jean-Philippe Hugron
Manuelle Gautrand s’inquiète de l’avenir du C42

Manuelle Gautrand s’inquiète de l’avenir du C42

Emblématique showroom de la marque Citroën installé sur l’avenue des Champs-Elysées, le C42 ferme définitivement ses portes dix ans seulement après son inauguration. Manuelle Gautrand, son architecte, fait part dans une lettre ouverte de son inquiétude quand au devenir de ce projet, qui reste son œuvre la plus connue. 

Les illuminations de Noël sont trompeuses. Tandis que les Champs-Elysées scintillaient de toutes leurs guirlandes, chez Citroën, on coupait le courant.

En ce 31 décembre 2017, après exactement dix années de loyaux services et un succès incroyable (10 millions de visiteurs), le C42, le navire amiral de la marque au chevron baissait le rideau. En cause officiellement, une nouvelle politique commerciale vouée à favoriser la multiplication des mini-espaces d’exposition au détriment des « vastes » showrooms.

 

Mais en réalité, derrière l’annonce trompeuse de cette nouvelle politique, il y a un problème bien plus ancien et plus profond : en 2012, seulement 5 ans après son inauguration, Citroën vendait son navire amiral. En cause, une sombre année où le groupe PSA a dû vendre une grande partie de ses actifs immobiliers pour renflouer les caisses d’une marque aux abois, y compris ce « bijou de famille », cet immeuble sis au 42 avenue des Champs Elysées dont le terrain avait été acquis en 1927 par André Citroën. Ce dernier avait souhaité y créer sa vitrine internationale à l’occasion du Salon de Paris de 1928, avec déjà une architecture très avant-gardiste.

 

C’est donc en 2012 que l’avenir du C42 actuel a basculé : il a été cédé à un investisseur pour une très belle somme en contrepartie d’un loyer très élevé. C’est, à n’en pas douter, la raison principale de l’abandon du C42 par Citroën fin 2017.

Citroën nous indiquait pourtant à ce moment-là, la main sur le cœur, vouloir en rester locataire pour « très longtemps » et que cela ne changerait rien, ni en terme d’usage, ni en terme d’aspect architectural puisqu’ils ne quitteraient pas les lieux. ….

 

Pourtant, lorsque Citroën a lancé en 2002 une consultation internationale d’architecture, le programme était clair : imaginer un bâtiment dont l’architecture elle-même puisse exprimer profondément l’ « ADN » de la marque, son histoire et ses ambitions, et en faire un lieu d’exposition et d’échange baigné dans cet univers automobile si particulier : une marque éminemment française et attachante, qui a fait rêver des millions de personnes dans et hors de nos frontières. Le programme était clair parce que l’ambition de Citroën était claire : se réinstaller définitivement sur les Champs Elysées avec un lieu capable de faire rayonner la marque.

 

Si j’ai gagné cette consultation, à l’unanimité du jury, face à des concurrents prestigieux (dont deux lauréats du prix Pritzker – le « Nobel » de l’architecture –  Zaha Hadid et Christian de Portzamparc), c’est justement parce que ce jury a estimé que ma proposition architecturale symbolisait parfaitement cet univers de la marque, son « ADN ».

 

Sous son origami de verre, le projet est conçu comme un présentoir géant évocateur des rampes qui grimpaient en hélice dans les garages de notre enfance, il est fort d’une structure porteuse complexe qui le rend totalement indépendant des bâtiments qui le flanquent, et sa façade s’inspire des chevrons, logo de la marque. En fait, tandis que le « contenant » (l’enveloppe) fait rayonner le chevron,  le « contenu » (l’intérieur) fait rayonner les voitures, installées comme les œuvres d’un musée…

 

C’est ainsi que le C42 a connu les honneurs de la presse internationale, fait l’objet de nombreuses couvertures de magazines, reçu de multiple prix d’architecture et a été le sujet de plusieurs films documentaires. Ses représentations (maquettes, dessins, plans, etc…) sont rentrées dans les collections permanentes de deux institutions culturelles nationales : le Centre Georges Pompidou et le Musée des Monuments Nationaux – la Cité de l’Architecture et du Patrimoine.

 

 

Pourtant Citroën est parti, et le bâtiment est désormais vide, sombre, inhabité et sans entretien. C’est pour moi terrible d’un point de vue de l’esprit et du cœur, mais aussi pour mon image professionnelle: le préjudice moral que je subis est indiscutable, d’autant plus que sa localisation sur les Champs Elysées en fait  un bâtiment « observé » par des milliers de personnes qui passent devant tous les jours.

 

Ce bâtiment est intimement rattaché à mon nom et c’est sans aucun doute mon œuvre la plus connue. Peu d’architectes ont eu la chance de construire un  bâtiment entier et neuf sur la plus belle avenue du monde. D’ailleurs, depuis 1975 aucun bâtiment neuf n’a vu le jour sur les Champs-Elysées à part celui-ci. Mais peu d’architectes voient un de leurs bâtiments remis en cause à peine 10 ans après son ouverture…

 

Pourtant Citroën est parti, et le propriétaire actuel se retrouve avec ce bâtiment, conçu comme un musée automobile. Je peux comprendre son désarroi et sa perplexité. Que va-t-il en faire ? Le transformer, le démolir ?

Qu’il soit démoli serait un crève-cœur pour moi, et sa dénaturation serait cruelle. Que le bâtiment soit transformé au mépris de tout respect du droit d’auteur, que son atrium soit comblé (pression foncière oblige…), qu’il soit cloisonné et défiguré, cela serait une erreur et même une trahison.

 

Depuis sa fermeture il y a un mois, pas un rendez-vous ne se passe sans que mon interlocuteur ne m’interroge sur ce qui arrive au C42… Je tenais donc à porter ces informations à la connaissance du public afin de répondre aux questions que nombre de personnes ne manquent pas de se poser concernant cette soudaine fermeture.

 

Manuelle Gautrand, architecte.

 

 

L’école des Beaux-Arts de Paris reprend ses fonctions muséographiques.

L’école des Beaux-Arts de Paris reprend ses fonctions muséographiques.

« L’école des Beaux-Arts de Paris n’est pas un monument, ni un ensemble de monuments. Ce qui fait monument à l’école des Beaux-Arts, c’est précisément son histoire et sa fonction. Authenticité, état de référence, état d’origine, aucun des outils « standards » du restaurateur n’est pertinent dans ce lieu. Chaque espace, chaque vestige de la cour, chaque sculpture porte sa propre histoire. Si c’est un livre, c’est une encyclopédie dont les volumes continuent à s’écrire chaque jour. Ici, pas de grands plans, pas de « gestes », il faut suivre la palpitation de l’histoire et de la vie de ce monument perpétuel afin de lui permettre d’accueillir, tout en douceur, les usages contemporains dont il a besoin. » introduit François Chatillon, Architecte en chef des Monuments Historiques, en charge de la rénovation du site depuis 2013. Et il a bien raison de décrire ainsi cette école, comme un collage d’éléments architecturaux qui s’est constitué au fil du temps.

Collage architectural

Les Beaux-Arts se déploient sur plus de deux hectares au cœur de Paris, entre le Louvre et Saint-Germain-des-Prés. A l’époque, vers 1800, l’école est installée dans l’ancien couvent des Petits Augustins, avant qu’il n’accueille le musée des Monuments français fondé par Alexandre Lenoir. Héritage architectural des siècles passés, l’école comprend des bâtiments du XVIIe jusqu’au XXe siècle, laissant apparaitre ici ou là des éléments architecturaux beaucoup plus anciens. Dès la cour d’honneur de la rue Bonaparte, est donné un aperçu de cette variété architecturale. « Les édifices qui la bordent ont pour la plupart été érigés par dans la première moitié du XIXe siècle par l’architecte François Debret ou par son élève et beau-frère Felix Duban. Le XXe siècle lui-même a laissé son empreinte dans cette enceinte avec de nouveaux étages d’ateliers construits après 1945 par Auguste Perret pour accueillir des élèves toujours plus nombreux, aujourd’hui au nombre de 600 », peut-on lire dans une brochure dédiée aux Journées du Patrimoine 2017. Si l’école des Beaux-Arts est chahutée dans son écriture architecturale, elle le fut aussi dans son organisation suite aux évènements de Mai 68 qui ont vu apparaitre des tensions entre les disciplines enseignées. S’en est suivi la séparation des enseignements artistiques de ceux architecturaux en 1977, ce  qui donnera ici naissance à deux institutions : d’un côté les Beaux-Arts de Paris (anciennement ENSBA) et de l’autre l’Ecole Nationale Supérieure d’Architecture Paris-Malaquais (ENSAPM). Une histoire tant sociétale qu’architecturale qui vaut bien une mise en avant de ces bâtiments tous classés au titre des Monuments Historiques.

 

L’enseignement par la muséographie

L’école des Beaux-Arts de Paris fêtait en 2017 son bicentenaire, année au cours de laquelle elle a fait sa demande d’appellation « Musée de France » afin d’exposer ses collections qui ne constituaient jusqu’alors que des outils pédagogiques. « Mettre les étudiants dans un musée pour qu’ils apprennent directement au contact de l’histoire de l’art, c’est cohérent », rétorque François Chatillon, architecte en charge de la rénovation. Depuis 8 ans déjà, l’école fait l’objet d’un programme de rénovation ambitieux liée à la création d’un parcours muséographique accessible à tous, restauration appuyée par son nouveau directeur Jean-Marc Bustamante. Le palais des Beaux-Arts voit se succéder plusieurs chantiers : celui des décors polychromes d’inspiration italienne de la magnifique cour vitrée du palais des Etudes conçu entre 1830 et 1870 ; celui de la bibliothèque fondée par Prosper Mérimée en 1864, dont l’architecture générale évoque la Renaissance ; celui de la salle Melpomène, principalement dédiée à l’accueil d’expositions ; et plus récemment celui de l’amphithéâtre d’honneur, où ont été restaurés le parquet marqueté, les boiseries et les peintures. Reste encore à mener le chantier de rénovation des couvertures et verrières de l’Hôtel Chimay, ainsi que la rénovation de la cour du Mûrier, un « atrium cloitre à l’italienne » avec une fontaine centrale, entourée sur ses trois côtés d’une galerie d’arcades en plein cintre et pilastres doriques, ornés de fresques d’inspiration pompéienne et de ses statues antiques qui devrait s’achever en 2018. Un ensemble qui bénéficiera bien entendu d’une mise en accessibilité et d’outils technologiques contemporains._Amélie Luquain

 

Explication en image avec François Chatillon, Architecte en chef des Monuments Historiques et Jean-Marc Bustamante, directeur de l’école des Beaux-Arts.

© Amélie Luquain / Cécile Gauthier / Antoine Durand et Anthony Ondomat

Image à la Une © Antoine Mercusot