Hono Izakaya : un pub urbain japonais alliant sobriété et matériaux bruts

Hono Izakaya : un pub urbain japonais alliant sobriété et matériaux bruts

Entre minimalisme et rusticité, cette taverne japonaise, logée en plein Québec sur la rue Saint-Joseph et designée par l’architecte Charlène Bourgeois, est un savant mélange de lignes épurés asiatiques combinées avec le caractère populaire des bistrots de la région.

L’izakaya est la cousines japonaises des bistrots parisiens ou pubs londoniens. Concernant la taverne québécoise Hono Izakaya de l’espace du restaurant a été divisé en plusieurs zones délimitées par une large structure en bois.

Charlène Bourgeois a également souhaité conserver des traces du lieu en gardant certaines caractéristiques qui le composaient avec notamment un mur de pierres situé près de l’entrée,camouflé autrefois par des panneaux à motifs de briques. Ce choix conceptuel s’inscrit comme un rappel au passé du bâtiment, tout en tranchant avec l’aspect minimaliste et l’esthétisme épuré de la culture japonaise.

Pour créer différents paliers de places assises, la designer a choisi de surélever le plancher. Des marches permettant d’accéder du bar à la cuisine créent une certaine intimité dans les divers espaces.

Concernant le mobilier, elle a opté pour un contraste de teintes avec des chaises « bistro » vintage en bois brun et des tabourets au piétement noir mis en opposition avec les couleurs naturelles des matériaux laissés bruts, les tuiles « métro » blanches et les tables aux essences claires. Vaisselle et objets décoratifs minimalistes, meubles encastrés, luminaires modernes et jardinières suspendues complètent harmonieusement l’espace baigné de lumière de la taverne japonaise.

Pour aménager ce local et lui apporter une atmosphère  à la fois moderne et industrielle, la conceptrice a choisi des matériaux simples, mais non moins élégants, comme le bois et le contreplaqué. Une association subtile et harmonieuse qui détermine parfaitement l’identité et l’essence même du lieu.

Photos de Maxime Brouillet

Maneki un restaurant bleu électrisant inspiré de la pop culture asiatique

Les designers Rainville-Sangaré et Studio Beau se sont associés pour concevoir le design intérieur et l’identité visuelle du nouveau restaurant Maneki comptoir asiat’ situé dans le quartier montréalais Hochelaga-Maisonneuve.

© Sarah Babineau

Confiée aux mains de Studio Beau, l’identité visuelle fait écho aux classiques asiatiques avec un clin d’œil humoristique. C’est la raison pour laquelle son logo fait référence au maneki-neko, cette statue de chat porte-bonheur. Dans le même esprit, les lieux ont été travaillés pour dégager une ambiance moderne et ludique. L’équipe de Rainville-Sangaré a ainsi misé sur du mobilier sobre, mais solide, des tons de bleu électrique et des formes géométriques pour créer un rythme tout en laissant le plus de place possible à l’interaction.

«Nous avions une carte blanche avec un très petit budget», explique l’équipe de Rainville-Sangaré, qui a géré l’ensemble du design intérieur, y compris l’éclairage et le mobilier. « Ils voulaient quelque chose de jeune et décontracté. »

© Sarah Babineau
© Sarah Babineau

L’entreprise n’a conservé aucun des éléments existants de l’unité, en commençant par l’espace de 57 mètres carrés. Avec Studio Beau, les designers se sont tournés vers la culture pop asiatique pour s’inspirer de l’imagerie et de ses motifs .

© Sarah Babineau

Un luminaire en zigzag bleu fait sur mesure au centre du restaurant, rappelle l’aspect général du mobilier et du décor. Un carrelage métro blanc recouvre partiellement les murs, tandis que des cadres de grille en métal bleu avec des illustrations graphiques, ajoutent au décor une touche d’originalité qui peut être facilement changée.

Bleu électrique est la teinte primaire à l’intérieur de Maneki.  « [La couleur] a été inspirée par les veilleuses des rues asiatiques« , explique Rainville-Sangaré.

© Sarah Babineau

Studio Beau a appliqué la même teinte néon aux contenants à emporter, aux cartes de visite et aux estampes graphiques qu’ils ont créées. Ce dernier présente des personnages célèbres, des plats, des chansons pop et maneki-neko, le félin populaire de la félicité. «Nous avons partagé le même espace de travail tout en travaillant sur le projet, il était donc facile d’avoir des idées de l’autre côté de la table», explique Rainville-Sangaré. « Une partie difficile était le travail de correspondance des couleurs – le bleu devait être en néon, métal, peinture murale et impression. »

© Sarah Babineau

Il y a un an, le duo montréalais Rainville-Sangaré recevait la bourse Phyllis-Lambert avec le projet Compléments de l’architecture, une recherche axée sur la conception de détails architecturaux intégrés au cadre bâti et ayant comme sujet d’étude la ville d’Helsinki. Avec Compléments de l’architecture, l’objectif de Nicholas Sangaré et Lambert Rainville, était de donner vie à une démarche créative inspirée d’une approche de l’architecture intégrée finlandaise mettant en lumière l’importance de la présence de l’apport humain dans la caractérisation de nos villes.

Park House Food Merchants : un loft rétro scandinave où se mêlent art et restauration

Le studio de design Alexander & CO signe le Park House Food Merchants : un restaurant de 200 places situé dans l’hôtel récemment rénové de Mona Vale, près de Sydney. Conçu comme un entrepôt d’art de style loft, le restaurant, entre le rétro des années 70 et le modernisme scandinave, s’inscrit comme une insertion expressive et artistique dans la coquille délabrée de l’ancien motel.

© Felix Forest
© Felix Forest
© Felix Forest
© Felix Forest

Le loft restaurant est à la fois robuste et organisé, bien équipé pour répondre à la circulation dense et à la situation côtière. Il accueille des salles à manger internes à double hauteur, une cour extérieure avec toits rétractables et plusieurs salles à manger privées, une cuisine ouverte, un bar à cocktails interne, un bar extérieur principal, de grandes cheminées intérieures et extérieures ouvertes et des structures extérieures en bois et acier.

© Felix Forest

Le projet explore diverses formes de maçonnerie combinées avec une gamme d’éclairage spécifique, d’ameublement et d’œuvres d’art. La structure existante en acier et en bois a volontairement été mise en avant afin de créer un volume à double histoire à la fois intérieurement et extérieurement sous le toit rétractable.

© Felix Forest
© Felix Forest
© Felix Forest
© Felix Forest

Le restaurant interne est construit autour d’une cuisine ouverte avec des arches en briques recyclées. Les planchers en béton poli sont remplacés à chaque instant par des carreaux de mosaïque Carrara en forme d’éventail, des motifs de couleur personnalisée et des carreaux de dalles en pierre. Un bar à hauteur de salle à manger avec granit rétro joue un centre de table tandis que les détails Art déco à une cheminée interne en brique crée des niches et des recoins pour salle à manger.

© Felix Forest
© Felix Forest

À l’extérieur, une cheminée double face et un foyer ancrent les zones de détente, le tout sous un toit rétractable et des lumières suspendues qui éclairent cette cour à double hauteur. A travers ce projet, rien ne serait une doublure, tout serait un substrat. Il n’y a pas de lattes fendues, pas de MDF, rien au-delà des matériaux de construction de base et rien qui finirait par être baratté et finirait dans une poubelle. Le travail du lieu est dans sa planification et la gestion des volumes. Très rarement, une occasion se présente où l’élément d’aménagement est presque supprimé à la place des œuvres d’art et des meubles. C’est un exemple d’entreprise où les déchets, les barattes et les matériaux sont tous réduits ou éliminés.

© Felix Forest
© Felix Forest

C’était un projet de réutilisation adaptative d’une structure de motel fortement délabrée. Sur plusieurs milliers de mètres carrés de terrain. Ce lieu représente l’une des six étapes de travail réalisées ou achevées sur le site dans le cadre d’un projet de porte d’entrée à la grande circonscription de Mona Vale. Avec cette volonté de réintroduire la communauté dans le bassin versant, le projet d’Alexander & CO permet d’accueillir une clientèle plus large de la commune et a vocation à développer son rôle social.

© Felix Forest
© Felix Forest

À propos d’Alexander & CO.

Alexander & CO est une agence de design multidisciplinaire avec une portée mondiale. Leurs capacités couvrent un large éventail de secteurs typologiques où ils travaillent dans toutes les facettes de la conception spatiale. Leur base de compétences techniques comprend l’architecture, la conception d’intérieur et la gestion de projet.

Sean Connolly à l’Opéra de Dubaï signé Alexander & CO

Sean Connolly au Dubai Opera est un restaurant, un bar et une cour de 350 personnes au coeur de l’animation de Dubaï, avec une vue directe sur le Burj Khalifa et est le seul restaurant dans l’espace nouvellement ouvert Dubai Opera. Inspiré par la forme et l’échelle très irrégulières du bâtiment et de la location, le restaurant s’inspire de l’intérêt personnel d’Alexander & CO pour le design et l’architecture classiques du XXe siècle combinés aux influences océaniques australiennes et néo-zélandaises de la cuisine de Sean Connolly.

©Brooke Holm

Chaque élément de conception dans le lieu explore les idées de la mer, de l’huître avec sa combinaison de surfaces sensuelles lisses et de surfaces extérieures texturisées, aux tons et aux couleurs océaniques des coraux et des nuances perlées. Les dalles de plafond voûtées qui font référence à la fois à l’intérieur d’une huître et aux géométries emblématiques de l’Opéra de Sydney sont des pierres précieuses et réfléchissantes.

©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm

Les espaces principaux se concentrent autour du bar à cocktail central Pearl Bar, construit en cuir gris, bois de noyer et marbre jaune. Les banquettes de marbre gris avec leur cuir rose rappellent les contrastes délicats des coraux de l’océan et des créatures marines tandis que les barres crues et de feu rappellent les bords extérieurs des coquillages noircis.

©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm

Fidèle au thème des Antipodes, Jacqui Fink, pionnière internationale du «tricot extrême» a créé une œuvre personnalisée en laine mérinos de 6 m de haut (une de ses plus grandes commandes à ce jour) en hommage aux tentacules des créatures marines, délicates et mystiques.

©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm

De même, l’artiste locale de Sydney, Tracey Deep, connue pour ses installations florales utilisant la flore indigène et indigène, a créé trois sculptures suspendues à la vision océanique. Le tapis de laine fait sur mesure avec ses tons bleus tachetés est une représentation des eaux de l’océan et a été conçu sur mesure par Alexander & CO pour ce lieu.

©Brooke Holm
©Brooke Holm
©Brooke Holm

En harmonie avec les inspirations du design du XXe siècle, l’éclairage classique de Serge Mouille a été fabriqué sur mesure dans des finitions en acier émaillé blanc et laiton. De même, des originaux de meubles cultes du 20ème siècle sont combinés dans les verts, les gris, les bleus et les blancs avec les bois de noix normaux. Ils sont sculpturaux et féminins et ajoutent une valeur significative à l’intérêt de l’esthétique globale.

©Brooke Holm
©Brooke Holm

À propos d’Alexander & CO.

Alexander & CO est une agence de design multidisciplinaire avec une portée mondiale. Leurs capacités couvrent un large éventail de secteurs typologiques où ils travaillent dans toutes les facettes de la conception spatiale. Leur base de compétences techniques comprend l’architecture, la conception d’intérieur, la gestion de projet, le stylisme, l’image de marque et la planification principale. Le cœur de l’ADN d’Alexander & CO se caractérise par l’ambition de créer un design intemporel et leader du marché avec une communication empathique et sociale.

Restaurant design… dans une prison italienne

Restaurant design… dans une prison italienne

La prison de Milan Bollate a adopté une politique carcérale qui vise à la réhabilitation des détenus. Elle vient d’ouvrir en son sein un restaurant ouvert au public. InGalera (en prison, en italien) a été pensé comme un pont tendu entre l’intérieur et l’extérieur.

Le restaurant de la prison de Milan Bollate, photo Andrea Guermani
Le restaurant de la prison de Milan Bollate, photo Andrea Guermani

L’équipe est exclusivement composée de détenus, à l’exception du chef et du maître d’hôtel. Le directeur de la prison, Massimo Parisi, souhaite que le restaurant permette aux prisonniers de reprendre contact avec la société.

InGalera, le restaurant de la prison de Milan Bollate, photo Andrea Guermani
InGalera, le restaurant de la prison de Milan Bollate, photo Andrea Guermani

Conçu dans des teintes pastel par l’architecte Augusta Comi, l’espace, moderne, élégant et lumineux, rompt totalement avec le décor carcéral classique, dont certains restaurants « traditionnels » jouent au contraire pour attirer une clientèle en quête d’exotisme.

InGalera, le restaurant de la prison de Milan Bollate, photo Andrea Guermani
InGalera, le restaurant de la prison de Milan Bollate, photo Andrea Guermani

Le mobilier provient de chez Pedrali : sièges « Volt » blancs dessinés par Claudio Dondoli et Marco Pocci, et tables « Inox » à plateau en bois, avec piètement époxy blanc.
Ouvert midi et soir du lundi au samedi, le restaurant dispose de 52 places assises. On peut par exemple y déguster des pappardelles aux châtaignes et au cerf. Un joli projet dont on pourrait bien s’inspirer.

Astrid Avédissian

Restaurant Hueso : OSpitalité gourmande

Restaurant Hueso : OSpitalité gourmande

Architectes, Cadena + Asociados

La reconversion d’un atelier d’artiste en restaurant – autour d’une bien étrange mais très originale collection – invite à une expérience qui ne l’est pas moins en réconciliant plaisir des sens et mythe religieux fondateur. Une parfaite mise en bouche de la cosmogonie aztèque.

Nous sommes dans l’ancien quartier colonial Lafayette de Guadalajara, mégalopole mexicaine en devenir entre la capitale et la côte Pacifique. Architecturalement marqué par l’influence européenne des années 1940 et 1950, c’est aujourd’hui un arrondissement créatif et branché avec des galeries d’art contemporain, des bars, des boutiques de mode et de design. Dans un ancien atelier d’artistes – sur une parcelle toute en longueur non loin de la Fondation Luis Barragán et de la maison d’un de ses confrère Ignacio Diaz Morales – précédemment reconverti en bar, le chef Alfonso Cadena vient d’ouvrir son nouveau restaurant. Son frère Ignacio étant architecte et designer, c’est donc en toute logique que le cuisinier branché fait appel à l’agence Cadena + Asociados pour relooker le lieu.

restaurant hueso exterieur
Bien plus qu’un ravalement de façade, le bâtiment est entièrement “dégraissé” pour mettre à nu l’ossature et en révéler les détails structurels. Il est ensuite enveloppé d’une peau extérieure en carreaux de céramique réalisés par José Noé Suro, le plus important fabricant du Mexique qui réalise des éditions limitées pour des artistes. Hiéroglyphes incas ou réminiscences de la Sécession viennoise, leur graphisme éthéré stylise en fait des points de couture et les gestes accomplis sur un métier à tisser que reprennent les tabliers du personnel signés tout comme le carrelage par le maître d’œuvre. Au vu de la décoration intérieure, ne devrait-on pas y voir la volonté inconsciente de figurer un linceul ? Eh bien non ! La réponse, plus gourmande, souligne le parallèle entre couture et cuisine mais entend aussi rappeler les savants (mé)tissages culinaires d’Alfonso, renommé pour ses mariages de saveurs et de textures.

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Hueso : natures mortes et vanités

Bien plus (d)étonnant, le décor intérieur convoque davantage l’idée d’un cabinet de curiosités qu’une salle à manger. En effet, après avoir été passés à la chaux une fois dénudés, les murs – de béton et de briques aux multiples cicatrices – sont en bonne partie revêtus d’un patchwork continu de cadres et installations exposant près de 10 000 pièces. Outre des ustensiles de cuisine blanchis, on y dénombre surtout plusieurs milliers d’ossements d’animaux – de bovins, chevaux, oiseaux et poissons divers ramassées ça et là sur les plages, dans les bois ou les ranches… – à moins qu’il ne s’agisse de répliques en fonte d’aluminium comme l’os suspendu sous le porche en guise d’enseigne. Assemblés en tableaux, ces compositions évoquent – plus qu’un ossuaire – des natures mortes, des trophées de chasse, voire des vanités…

restaurant hueso table ronde
Tout l’esprit hueso 62-compresseddu Mexique est là, dans cette communion quasi mystique avec l’univers, où le charnel et le spirituel ne font qu’un, et dans ce rapport à la mort. Effectivement, pour les Mexicains, la mort est le miroir de la vie, un sentiment familier qui plonge ses racines dans l’univers primordial et les civilisations précolombiennes où les sacrifices humains n’étaient pas rares. D’après les légendes, Quetzalcóatl était à la fois un sorcier, un roi et un prêtre qui gouvernait la cité toltèque de Tula au XIe siècle. Un épisode de sa geste le montre en train de recréer l’homme à partir d’ossements humains brisés sur lesquels il fit couler le sang de son sexe, donnant vie aux “serviteurs des dieux” : l’humanité actuelle. Ce récit, qui est aux descendants des aztèques et des conquistadors ce que l’épopée homérique est à la culture occidentale, explique le fait qu’un squelette soit considéré comme un symbole de vie et de renouveau. De fait, la mort habite les arts, populaires et plastiques, la littérature, la vie quotidienne. « Le Mexicain fréquente [la mort], la raille, la brave, dort avec, la fête, c’est l’un de ses amusements favoris, et son amour le plus fidèle, écrit Octavio Paz. [Son] indifférence […] devant la mort se nourrit de son indifférence devant la vie. »

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S’attabler c’est avant tout partager. Alors la table se fait ici collective : sur mesure, elle s’étire d’un seul tenant d’un bout à l’autre du restaurant, son plateau en lamellé collé grossier absorbant même l’emmarchement intermédiaire. “Assiégée” de part et d’autre de chaises bistrot de Thonet, la tablée débute dans un vaste vestibule sous double hauteur qu’éclairent généreusement les deux rangées de fenêtres superposées – aux menuiseries métalliques d’origine – tout en connectant visuellement l’intérieur à la végétation environnante. Cette table d’hôtes s’interrompt au droit des baies coulissantes commandant le patio emmuré d’où émerge le tronc massif d’un arbre… mort !

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Aussi y a-t-il moins lieu de s’étonner devant le nom du restaurant et la nature pour le moins organique du décor, entièrement badigeonné d’un blanc immaculé, comme pour faire un pied de nez à ce que nous avaient laissé croire les œuvres colorées de Luis Barragan, Diego Rivera ou Frida Kahlo : « Bon nombre d’artistes mexicains s’intéressent moins à la couleur qu’aux textures, au processus de fabrication artisanale, aux parfums qu’ils distillent » précise Alfonso Cadena. « En décorant le restaurant avec les matières premières qui sont servies à table, nous souhaitons mettre en avant une philosophie culinaire irrévérencieuse qui se moque des recettes, des règles, de l’opinion publique. En éveillant la curiosité, l’émotion, nous souhaitons offrir une expérience incomparable ».

 

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Delphine Désveaux

Photographies : Courtesy Hueso Restaurant / Jaime Navarro

 

Hueso Restaurant

Efrain Gonzalez Luna 2061 – Colonia Lafayette – Guadalajara

www.huesorestaurant.com

Programme : Transformation d’un bar en restaurant de 150 couverts

Surface : 350 m²

Calendrier : janvier 2013 / juin 2014

Propriétaire, concept, direction artistique : Alfonso Cadena

Maîtrise d’œuvre : Ignacio Cadena, Javier Monteón (Cadena + Asociados)

Design mobilier, table et éclairage : Cadena Concept Design®

Carreaux de céramique : José Noé Suro

Intervention artistique : Los Originales Contratistas, Tomás Guereña & Miguel Ángel Fuentes

Signalétique : Rocío Serna

Chaises : Thonet